PENTAGRAFIC/ el témpera
El témpera o gouache, término francés con que se conoce en muchos países, es una técnica pictórica que alcanzó su máximo esplendor en la pintura persa, china, india y especialmente japonesa.
Sus orígenes se remontan a los siglos IV y V y en la actualidad se aplica no solo sobre papel, sino también sobre seda, marfil, pergamino, raso y otras superficies.
En términos familiares, podríamos calificar al témpera como hermano de la acuarela y también del óleo, puesto que comprende carácterísticas afines a las dos técnicas. Con la acuarela, se asemeja en que se diluye con agua y se trabaja con lo mismos pinceles y tipo de papel: con el óleo, en que sus colores permiten cubrir, empastar y repintar.
Los colores al témpera son opacos, espesos y cubrientes, cualidad que permite pintar con tonos claros sobre tonos oscuros. Sin embargo, muy diluídos con agua ofrecen un resultado parecido a la acuarela. El témpera seca con relativa rapidez y los colores acabados de aplicar, son más intensos que una vez secos, momento en que ofrecen una calidad casi mate.
Utilizado por muchos profesionales, especialmente para pintar paisajes, el témpera es también usado para carteles y proyectos publicitarios y pinturas murales. Algunos teoricos consideran a esta técnica como el paso previo al óleo.
Los colores al témpera están constituidos básicamente por los mismos ingredientes que componen la pintura a la acuarela : son pigmentos colorantes de origen vegetal, mineral o animal, convertidos en finísimo polvo, mezclados y aglutinados con gomas solubles al agua a las que se añaden sustancias gelatinosas para evitar que la pintura, una vez seca se cuartee.
NUEVO PROYECTO DE PENTAGRAFIC EN EL 2011.
viernes, 30 de julio de 2010
LUZ Y SOMBRA.
PENTAGRAFIC/ luz y sombra
En 1870 Edouard MANET decía, ¨el principal personaje de un cuadro es la luz¨, él, como todos los impresionistas, tenían claro que el color es luz. La luz plantea tres aspectos que de alguna manera condicionan al artista en el tratamiento del claroscuro.
LA DIRECCIÓN DE LA LUZ.
Un modelo puede quedar básicamente iluminado por:
LUZ FRONTAL- ilumina de frente y no produce apenas sombras.
LUZ FRONTAL-LATERAL- llega desde un lado, formando un ángulo de 45 grados con el plano frontal. Suele proporcionar una iluminación equilibrada con manifiesta igualdad entre zonas iluminadas y zonas en sombra.
LUZ LATERAL- llega desde un lado y deja el lado opuesto en sombras. Dramatiza el tema y se utiliza cuando se desea poner especial énfasis en el contraste.
CONTRALUZ- el foco de luz se encuentra por detrás del modelo. En consecuencia los planos frontales del tema quedan todos en sombras. El CONTRALUZ ( o semicontraluz) ofrece grandes posibilidades al paisajista.
LUZ CENITAL- luz solar que proviene de una abertura situada arriba. Es ideal para pintar o dibujar del natural.
LUZ DESDE ABAJO- Solo para casos muy especiales en los que se pretenda dramatizar mucho el tema.
LA CANTIDAD DE LUZ
De ella dependen los contrastes tonales que ofrezca el modelo y que, lógicamente, el artista intentará plasmar en el dibujo.
Un modelo iluminado con una luz intensa, deparará sombras acusadas. En cambio, una luz tenue, disminuirá el contraste general del modelo.
LA CALIDAD DE LA LUZ
Por calidad de la luz entendemos aquellos aspectos de la misma que dependen de su naturaleza y de las condiciones bajo las que incida en el modeloo. Por ejemplo:
LUZ NATURAL- o sea, la que nos llega del sol.
LUZ ARTIFICIAL- producida por lámparas eléctricas u otro sistema de iluminación.
LUZ DIRECTA- la que nos llega directamente al modelo bien sea natural o artificial.
LUZ DIFUSA- luz natural en un día nublado, luz que llega desde una ventana o puerta e incide indirectamente en el modelo, después de haberse reflejado en paredes, techo, suelo,etc.
VOCABULARIO SOBRE LA LUZ
ZONAS DE LUZ- zona del modelo directamente iluminada y no influenciada por reflejos.
BRILLO- efecto que se consigue por contraste entre un espacio en blanco y las zonas más o menos oscuras que lo rodean.
SOMBRA PROPIA- zona de sombra perteneciente al objeto dibujado.
SOMBRA PROYECTADA- la que arroja o proyecta el modelo sobre superficies próximas a él (suelo, paredes, caras de otros objetos, etc.)
JOROBA- zona de una sombra donde la oscuridad es más acusada.
PENUMBRA- zona de tonalidad intermedia situada entre una zona de luz y otra de sombra, propia o proyectada.
Resumiendo: al iluminar un modelo se producen en él zonas de luz, zonas de penumbra y zonas de sombra. Al mismo tiempo, el cuerpo iluminado proyecta su sombra sobre las superficies y objetos próximos. Las sombras, propias y proyectadas, además, pueden alternarse a causa de la luz que se refleja en las superficies próximas al modelo.
En 1870 Edouard MANET decía, ¨el principal personaje de un cuadro es la luz¨, él, como todos los impresionistas, tenían claro que el color es luz. La luz plantea tres aspectos que de alguna manera condicionan al artista en el tratamiento del claroscuro.
LA DIRECCIÓN DE LA LUZ.
Un modelo puede quedar básicamente iluminado por:
LUZ FRONTAL- ilumina de frente y no produce apenas sombras.
LUZ FRONTAL-LATERAL- llega desde un lado, formando un ángulo de 45 grados con el plano frontal. Suele proporcionar una iluminación equilibrada con manifiesta igualdad entre zonas iluminadas y zonas en sombra.
LUZ LATERAL- llega desde un lado y deja el lado opuesto en sombras. Dramatiza el tema y se utiliza cuando se desea poner especial énfasis en el contraste.
CONTRALUZ- el foco de luz se encuentra por detrás del modelo. En consecuencia los planos frontales del tema quedan todos en sombras. El CONTRALUZ ( o semicontraluz) ofrece grandes posibilidades al paisajista.
LUZ CENITAL- luz solar que proviene de una abertura situada arriba. Es ideal para pintar o dibujar del natural.
LUZ DESDE ABAJO- Solo para casos muy especiales en los que se pretenda dramatizar mucho el tema.
LA CANTIDAD DE LUZ
De ella dependen los contrastes tonales que ofrezca el modelo y que, lógicamente, el artista intentará plasmar en el dibujo.
Un modelo iluminado con una luz intensa, deparará sombras acusadas. En cambio, una luz tenue, disminuirá el contraste general del modelo.
LA CALIDAD DE LA LUZ
Por calidad de la luz entendemos aquellos aspectos de la misma que dependen de su naturaleza y de las condiciones bajo las que incida en el modeloo. Por ejemplo:
LUZ NATURAL- o sea, la que nos llega del sol.
LUZ ARTIFICIAL- producida por lámparas eléctricas u otro sistema de iluminación.
LUZ DIRECTA- la que nos llega directamente al modelo bien sea natural o artificial.
LUZ DIFUSA- luz natural en un día nublado, luz que llega desde una ventana o puerta e incide indirectamente en el modelo, después de haberse reflejado en paredes, techo, suelo,etc.
VOCABULARIO SOBRE LA LUZ
ZONAS DE LUZ- zona del modelo directamente iluminada y no influenciada por reflejos.
BRILLO- efecto que se consigue por contraste entre un espacio en blanco y las zonas más o menos oscuras que lo rodean.
SOMBRA PROPIA- zona de sombra perteneciente al objeto dibujado.
SOMBRA PROYECTADA- la que arroja o proyecta el modelo sobre superficies próximas a él (suelo, paredes, caras de otros objetos, etc.)
JOROBA- zona de una sombra donde la oscuridad es más acusada.
PENUMBRA- zona de tonalidad intermedia situada entre una zona de luz y otra de sombra, propia o proyectada.
Resumiendo: al iluminar un modelo se producen en él zonas de luz, zonas de penumbra y zonas de sombra. Al mismo tiempo, el cuerpo iluminado proyecta su sombra sobre las superficies y objetos próximos. Las sombras, propias y proyectadas, además, pueden alternarse a causa de la luz que se refleja en las superficies próximas al modelo.
lunes, 19 de julio de 2010
ARTE CONTEMPORÁNEO /
POP ART
Fue un movimiento surgido a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos, ue se caracterizó por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de los medios masivos de comunicación: prensa, televisión, radio y cine. El nombre fue utilizado por vez primera
en 1958, para definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol.
ABSTRACTO
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.[3] [4]
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
EXPRESIONISMO
Fue el movimiento artístico surgido en Alemania, en 1911, en concordancia con el fauvismo francés, que pretendía dar al observador una visión de los sentimientos del artista. el primer grupo expresionista fue el llamado EL PUENTE y luego EL CABALLERO AZUL.
Sus figuras más conocidas: August Macke, Paul Klee, Franz Marc.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
CONSTRUCTIVISMO
Es la corriente plástica y arquitectónica que surgió en Rusia en 1914 y que se afianzó después de la Revolución de Octubre de1917.
Es frecuente en el arte moderno, que se distinga el arte ¨puro¨ del utilizado como instrumento social.
Algunos artistas asociados: Leo Breuer, Naum Gabo, El Lissitzky, Lazló Moholy- Nagy.
Su mayor figura fue el arquitecto ruso Konstantin Stepanovic Mélnikov.
NEOPLASTICISMO
Es la corriente artística creada por Piet Mondrian en 1917, que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio, utilizando líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios.
El más cercano seguidor de Mondrian fue Theo Van Doesburg.
DADAÍSMO
Corriente de protesta contra el arte tradicional surgida en 1916 en la ciudad suiza de Zurich.
Sus seguidores se declaraban revolucionarios ¨antiarte¨ y se burlaban de las convenciones plásticas, musicales y literarias.
Trystan Tzara fue su creador y Marcel Duchamp su más famoso exponente.
CUBISMO
Movimiento artístico desarrollado en Francia, entre 1907 y 1914, que trató las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.
Sus principales cultores fueron: Pablo PICASSO, George BRAQUE y Juan GRIS.
FAUVISMO
Movimiento francés que en la primera década del siglo XX sustituyó al impresionismo,
agregando un fuerte colorido y trazos muy marcados.
Henri MATISSE fue uno de sus más reconocidos integrantes.
SURREALISMO
Fué un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en el primer cuarto de siglo del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André BRETON.
los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la importancia de los sueños en la creación. Algunos de sus seguidores fueron Max ERNST, Salvador DALÍ, René MAGRITTE.
Fue un movimiento surgido a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos, ue se caracterizó por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de los medios masivos de comunicación: prensa, televisión, radio y cine. El nombre fue utilizado por vez primera
en 1958, para definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol.
ABSTRACTO
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.[3] [4]
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
EXPRESIONISMO
Fue el movimiento artístico surgido en Alemania, en 1911, en concordancia con el fauvismo francés, que pretendía dar al observador una visión de los sentimientos del artista. el primer grupo expresionista fue el llamado EL PUENTE y luego EL CABALLERO AZUL.
Sus figuras más conocidas: August Macke, Paul Klee, Franz Marc.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
CONSTRUCTIVISMO
Es la corriente plástica y arquitectónica que surgió en Rusia en 1914 y que se afianzó después de la Revolución de Octubre de1917.
Es frecuente en el arte moderno, que se distinga el arte ¨puro¨ del utilizado como instrumento social.
Algunos artistas asociados: Leo Breuer, Naum Gabo, El Lissitzky, Lazló Moholy- Nagy.
Su mayor figura fue el arquitecto ruso Konstantin Stepanovic Mélnikov.
NEOPLASTICISMO
Es la corriente artística creada por Piet Mondrian en 1917, que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio, utilizando líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios.
El más cercano seguidor de Mondrian fue Theo Van Doesburg.
DADAÍSMO
Corriente de protesta contra el arte tradicional surgida en 1916 en la ciudad suiza de Zurich.
Sus seguidores se declaraban revolucionarios ¨antiarte¨ y se burlaban de las convenciones plásticas, musicales y literarias.
Trystan Tzara fue su creador y Marcel Duchamp su más famoso exponente.
CUBISMO
Movimiento artístico desarrollado en Francia, entre 1907 y 1914, que trató las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.
Sus principales cultores fueron: Pablo PICASSO, George BRAQUE y Juan GRIS.
FAUVISMO
Movimiento francés que en la primera década del siglo XX sustituyó al impresionismo,
agregando un fuerte colorido y trazos muy marcados.
Henri MATISSE fue uno de sus más reconocidos integrantes.
SURREALISMO
Fué un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en el primer cuarto de siglo del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André BRETON.
los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la importancia de los sueños en la creación. Algunos de sus seguidores fueron Max ERNST, Salvador DALÍ, René MAGRITTE.
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