Arte abstracto
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Arte abstracto es el
estilo artístico que enfatiza los aspectos
cromáticos,
formales y
estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación
figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un
lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
[1] El
arte occidental había estado, desde el
Renacimiento hasta mediados del
siglo XIX, sometido a la lógica de la
perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
]
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la
imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El
arte figurativo y la abstracción total son casi
mutuamente excluyentes. Pero el
arte figurativo y el
representativo (o
realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos
movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el
fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el
cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de
1910, como reacción al
realismo, e influido por la aparición de la
fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del
siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de
vanguardia precedentes. Por un lado, el
fauvismo y el
expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la
abstracción lírica o
informalismo. Otra vía fue la del
cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes
abstracciones geométricas y
constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
Historia
Siglo XIX
Tres
movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el
Romanticismo, el
impresionismo y el
expresionismo. A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.
Las primeras insinuaciones de un nuevo arte fueron obra de
James McNeill Whistler quien, en su pintura
Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, («Nocturno en negro y oro: el cohete que cae», 1872), dio gran énfasis a la sensación visual que a la representación de los objetos. Un
interés objetivo en lo que se ve, puede distinguirse de otras pinturas de
John Constable,
J M W Turner,
Camille Corot y de ellos los impresionistas que continuaron la pintura
al aire libre de la
escuela de Barbizon.
Siglo XX
Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero lo que pretendía, una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un simple punto de vista,
con color modulado en áreas planas, se convirtió en la base de un nuevo arte visual, para ser más tarde desarrollado hacia el
cubismo por
George Braque y
Pablo Picasso.
Los pintores
expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al
impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como
Edvard Munch y
James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra de los
posimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX.
El
postimpresionismo tal como lo practicaron
Paul Gauguin,
Georges Seurat,
Vincent van Gogh y
Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el
arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne,
Gauguin y
Seurat fue esencial para el desarrollo del
arte moderno. A comienzos del siglo XX,
Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas
Georges Braque,
André Derain,
Raoul Dufy y
Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes», de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron
fauvismo. El crudo lenguaje de color tal como lo desarrollaron los
fauves directamente influyeron a otro pionero de la abstracción
Vasili Kandinski.
Aunque el
cubismo al final depende del tema representado fue junto con el
fauvismo el movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.
Pablo Picasso hizo sus primeras obras
cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos:
cubo,
esfera y
cono. Con la pintura
Las señoritas de Aviñón 1907, Picasso creo dramáticamente un cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recordaban
máscaras trbales africanas y sus nuevas creaciones cubistas. El
cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y
Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el
cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso,
Fernand Léger,
Juan Gris,
Albert Gleizes,
Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de
collage,
papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de
collage com
Kurt Schwitters y
Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento llamado
dadá.
Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del
modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y
manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto, de
The World Backwards, proporciona alguna impresión de las interconexiones de la cultura de la época:
«El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser extremadamente actualizados, pues la segunda exposición Knave of Diamonds, celebrada en enero en de 1912 (en Moscú) incluó no sólo pinturas enviadas desde Múnich, sino algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que de París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como de Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que el Knave of Diamonds iba a financiar. Fue al extranjero en mayo y regresó determinado a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había emergido de los impresores mientras el estaba en Alemania».
Música
Algunos acercamientos al arte abstracta tenía conexiones con la
música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elmentos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo
Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo
resonando en el alma. La idea había sido propuesta por
Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo.
Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene
La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La
Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que
Piet Mondrian,
Vasili Kandinski,
Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el «estado sin objeto» se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las formas universales e intemporales que se encuentran en
geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible.
[editar] Abstracción Lírica
Cronológicamente, el
lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en
1904, como el primer pintor abstracto. Pero la abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases establecidas por
Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada
abstracción lírica. Llegó, entre
1910 y
1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich
Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta línea.
Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte puro». En Francia,
Robert Delaunay elaboró, desde
1912, a partir de las teorías de
Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus
Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que
Frank Kupka exponía en el
Salón de Otoño de 1912
Amorfa, fuga de dos colores y en
1913 Planos verticales azules y rojos. En 1913 el poeta
Guillaume Appollinaire llamó
orfismo a la obra de Robert y Sonia Delaunay. Lo definió como
el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido creados totalmente por el artista... es arte puro.
[editar] Vanguardia rusa
En la misma época, en
Rusia,
Mijaíl Larionov y
Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron
rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieron en
constructivistas creyendo que el arte no era ya nunca más algo remoto, sino la vida misma. El artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas y materiales de producción moderna.
¡El arte a la vida! era el eslógan de
Vladímir Tatlin, y de todos los futuros constructivistas.
Varvara Stepánova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para teatros y la obra gráfica.
Kasimir Malevich completó su primera obra enteramente abstracta, la
suprematista,
Cuadrado negro en 1915. Otro miembro del grupo suprematista,
Liubov Popova, creó las Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y 1921. Malévich,
Anton Pevsner y
Naum Gabo argumentaban que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido materialista y práctico. Muchos de aquellos que eran hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo marchó primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los Estados Unidos. Kandinski estudió en Moscú luego se marchó a la
Bauhaus. A mediados de los años veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas habían sido libres de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba permitido el
arte del realismo social.
[6]
[editar] Otras Abstracciones
Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo
De Stijl pretendían reformar el medio del futuro. En Italia el
futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, guió el camino hacia un arte abstracto con una paleta de color distintivamente cálida como en las obras de
Manlio Rho y
Mario Radice.
[7]
En el
período de entreguerras (
1918-
1939),
Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del
neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.
El manifiesto del
arte concreto, que publicó en
París en
1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en
Suiza con
Max Bill y de
Richard Paul Lose, en Francia con
François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes
tachistas y gestuales (
Jean Bazaine,
Alfred Manessier,
Pierre Soulages y
Georges Mathieu, entre otros) que el crítico
Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de
arte informal.
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con la
Action Painting (
Jackson Pollock,
Willem de Kooning,
Franz Kline) y con la
Colour-Field Painting (
Barnett Newman,
Mark Rothko,
Clyfford Still).
Estas tendencias fueron desbancadas a partir de
1960 por la aparición del
arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el
Op Art y el
arte cinético conocían sus horas de gloria (
Yaacov Agam,
Jesús Soto,
Carlos Cruz-Díez,
Víctor Vasarely,
Nicolas Schöfer y
Bridget Riley, entre otros).
El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, con los grupos
BMPT y
Support(s)-Surface(s) en Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con
Sigmar Polke y
Gerhard Richter en
Alemania. Las tendencias a la vez
neoexpresionistas y
neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década de
1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.
Pintores y artistas abstractos
- Paul Klee, (1879-1940).
- Armando Barrios, (1920).
- Hugo Baptista, (1935).
- Francisco Hung, (1937).
- Enrique Ferrer, (1934).
- Piet Mondrian, (1872-1944).
- Theo Van Doesburg, (1883-1931)
- Mercedes Pardo, (1922).
- Pedro Briceño, (1931).
- Vladímir Tatlin, (1885.1953)
- Aleksandr Ródchenko, (1891-1956)
- Kazimir Malévich, (1878-1935)
- Frank Stella, (1936).
- Esteban Castillo, (1941).
- Oswaldo Subero, (1943).
- Domenico Cassasanta, (1935)
- Edgar Guinand, (1943)
- Georg Baselitz, (1938).
- Sigmar Polke, (1941).
- Anselm Kiefer, (1945).
- Pedro Sandoval, (1966).
- Hans Hartung, (1904-1989).
- Jean Fautrier, (1897-1964).
- Georges Mathieu, (1922).
- Alberto Burri, (1915).
- Antonio Saura, (1930).
- Pablo Serrano, (1908-1985).
- Arschile Gorky, (1904-1948).
- Franz Kline, (1910-1962).
- Jackson Pollock, (1912-1956).
- Mark Rothko, (1903-1970).
- Jorge Gori, (1910).
- Héctor Poleo, (1918).
- Rolando Maruja, (1923).
- Humberto Jaime Sánchez, (1930).
- Alirio Oramas, (1924).
- Ramón Vásquez Brito, (1927).
- Bram Van Velde, (1892-1981).
- Humberto Boccioni, (1882-1916).
- Marizú Terza, (1953).
