pENtAgRAfIC.: julio 2011

NUEVO PROYECTO DE PENTAGRAFIC EN EL 2011.

PENTAGRAFIC desde ahora adopta un nuevo formato donde se podrá encontrar todo el material que estuvo distribuido en diversos blogs en uno solo, donde encontrar piezas y datos biográficos de los artistas uruguayos, piezas y biografías de artistas latinoamericanos y donde se difundirá el arte de artistas universales de siempre y actuales.

PENTAGRAFIC como proyecto de apoyo al Plan de Artes Visuales de la Educación Pública Inicial y Primaria, pretende ofrecer una amplia gama de herramientas para acceder de manera accesible a escolares y maestros a las artes visuales y que realmente sean ¨desde todos y para todos¨

gestión- TENDALES/sl

viernes, 8 de julio de 2011

EL AFICHE.

Imagen publicitaria.

Además de la intención artística, en la que la representación visual manifiesta la vivencia o fantasía de quien la crea, la imagen ha tenido y tiene en distintos momentos históricos y contextos culturales, otros usos y finalidades que responden a diferentes necesidades del hombre.

Así la imagen ha sido utilizada con fines tanto artísticos como educativos, informativos, ilustrativos, documentales, ornamentales, etc.

Imagen publicitaria.

Además de la intención artística, en la que la representación visual manifiesta la vivencia o fantasía de quien la crea, la imagen ha tenido y tiene en distintos momentos históricos y contextos culturales, otros usos y finalidades que responden a diferentes necesidades del hombre.

Así la imagen ha sido utilizada con fines tanto artísticos como educativos, informativos, ilustrativos, documentales, ornamentales, etc.
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Entre sus diversas funciones, la representación visual tiene la posibilidad de comunicar y difundir un determinado mensaje. Las señales de tránsito que ordenan la vida urbana, los escudos, banderas y colores que identifican a un país o a un grupo humano, las ilustraciones que conforman el soporte visual de las ideas desarrolladas en un texto escolar; son algunos de los tantos usos de la imagen en la vida de las personas.

Los afiches, en particular, son imágenes pensadas y diseñadas para hacer público un mensaje, para enunciar algo y para difundirlo. Se pretende que el mensaje que porta el afiche llegue al receptor (que puede ser el público en general o un determinado sector de aquél) y sea comprendido por él con claridad.

Los afiches están destinados a ser leídos y comprendidos ágilmente. Necesitan captar la mirada y el interés del observador en forma rápida, y para eso se utilizan fundamentalmente dos elementos: el texto y la imagen. Quien crea y diseña un afiche selecciona texto e imagen y los organiza visualmente con el objetivo de captar la atención del espectador, lograr que se detenga, observe y de este modo efectivizar la comunicación.

En la escuela, la observación, el análisis y la producción de afiches por parte de los alumnos permite abordar la imagen desde su función comunicativa. Mediante estas propuestas -relacionadas con la observación, el análisis y la producción de afiches- los alumnos del Tercer Ciclo trabajarán distintos aspectos relacionados con la función comunicativa y las posibilidades que el lenguaje visual ofrece para desarrollarla.
Contenidos
El afiche y sus características comunicativas

* Relación función/diseño.
* Combinación texto e imagen.
* Organización visual en función del contenido del mensaje y del público destinatario.
* Comunicabilidad.

Utilización de distintos elementos del lenguaje visual y su organización para el diseño de afiches

* El color, las formas y las texturas visuales.
* Las relaciones de tamaño, forma y color.
* Los contrastes (de color, textura, forma).
* La distribución de elementos en el plano.

Técnicas, materiales, herramientas y soportes

* El uso y la combinación de distintas técnicas y procedimientos para la realización de afiches (grabado, collage, pintura, técnicas mixtas)
* El soporte: calidad, tamaño y forma en relación con las características del afiche.

Propuestas de trabajo

La publicidad gráfica, una presencia en la vida cotidiana

Trabajar en el aula entre todos

En esta parte de la actividad le proponemos un trabajo con todo el grupo para realizar un primer análisis de publicidades gráficas, material que se puede seleccionar de revistas. Sugerimos algunas preguntas orientadoras que permitirán a los chicos prestar atención y relacionar los distintos aspectos que intervienen en las imágenes, al modo en que han sido utilizados los elementos visuales, así como a la combinación entre texto e imagen:

¿Qué mensaje comunica esta publicidad? Observen y describan la imagen. ¿Qué sensación transmite? ¿Cómo se relaciona el texto con la imagen? Presten atención a los colores. ¿Por qué se habrán seleccionado? ¿Qué relación tienen con el producto o situación que publicitan? Miren cómo están organizadas y combinadas letras e imágenes, formas y colores.

Del mismo modo, usted puede formular preguntas respecto de las relaciones de tamaño, las formas, los contrastes, la ubicación de los distintos elementos en el plano gráfico, el protagonismo de algunos elementos por sobre otros, etc. Puede establecer comparaciones entre diferentes tipos de publicidades como así también descubrir características comunes entre las que están dedicadas a un mismo tipo de productos (por ejemplo, productos para lavar ropa, golosinas, etc.).

La comunicación visual y el mundo extraescolar

Para enriquecer lo trabajado y relacionarlo con el mundo extraescolar, y si existe la posibilidad, será interesante poner a los alumnos en contacto con algún profesional de la comunicación gráfica, por ejemplo un publicista, un diseñador o un ilustrador.

Realizar entrevistas a profesionales permitirá a los niños conocer los planteos que ellos se hacen, los distintos modos de encontrar soluciones, el aporte o el trabajo conjunto que realizan con otros profesionales. Todo eso dará cuenta no sólo de aspectos relacionados con lo disciplinar propiamente dicho sino, además, de la inserción de la comunicación gráfica en el mundo del trabajo.

EL AFICHE.

EL GRABADO/ breve historia.

Breve historia de la obra gráfica

En el principio
En el principio, antes de la imprenta, la estampación de imágenes no se consideraba una de las bellas artes, sino un simple medio de comunicación. No fue hasta el siglo XVIII que las estampaciones se empezaban a considerarse arte, y no hasta el XIX que los artistas comenzaron a producir ediciones limitadas, firmar sus copias y autentificar esas copias con información de la tirada anotada en los márgenes. El grabado se remonta al hombre de las cuevas, ejecutado sobre piedras, huesos y las paredes de las cuevas. La duplicación de imágenes grabados data de hace unos 3.000 años cuando los Sumerios grabaron diseños sobre sellos cilíndricos de piedra. Los académicos creen que los chinos produjeron una forma primitiva de impresión hacía el siglo II a.c. Los japoneses hicieron las primeras impresiones auténticas, xilografías de exvotos budistas a mediados del siglo VIII.

La obra gráfica en Europa
La historia de las artes seriadas en Europa se remonta a primeros del siglo VI con las primeras impresiones sobre tejidos. La impresión sobre papel tuvo que esperar algo más, mientras que la tecnología del papel llegaba desde Oriente. El primero papel hecho en Europa fue él de Játiva, a mediados del siglo XII. Las primeras xilografías sobre papel fueron las barajas de cartas que se hacían en Alemania al principios del siglo XV. Sólo unos años antes aparecieron los primeros sellos y timbres reales en la corte de Enrique VIII en Inglaterra.

La impresión desde un grabado sobre metal se introdujo unas cuantas décadas después de la xilografía, y con resultados mucho más refinados. Restringido al principio a orfebres y armeros, pronto se convirtió en la forma preferida de reproducción seriada. El primer grabado fechado data de 1.446, "La Flagelación", y fue en Alemania en donde se desarrolló la técnica antes de pasar a Italia (Mantegna, Raimondi, Ghisi) y los Paises Bajos (Lucas van Leyden, Goltzius, Claesz, Matsys). Desde los fabricantes de barajas la técnica del grabado sobre metal pasó a los artistas donde alcanzó quizás su máxima expresión a manos de Durero en el siglo XVI. Este representó un hito en la historia del arte seriado y, puesto que viajó a Italia, su influencia se sintió allí de forma directa.

Los siglos XVII y XVIII
El siglo XVII vio el florecimiento de obra ornamental y del retrato por toda Europa, con Rubens y Van Dyck a la vanguardia en Flandes. Para entonces el gran parte del trabajo de intaglio fue grabado al ácido, puesto que los artistas contemporáneos consideraban que este fue un procedimiento más noble y menos comercial que el grabado directo. Italia fue un hervidero de actividad en este tiempo aunque, irónicamente, los principales grabadores fueron extranjeros: Jacques Callot y Claude Lorrain de Francia y el español José de la Ribera. La principal figura en los Países Bajos en este tiempo fue, sin duda, Rembrandt, quien dejo a la posterioridad un hito artístico, tanto en términos de cantidad como en calidad. Sus aproximadamente 300 planchas representan prácticamente todos los aspectos de la actividad humana.

El centro de gravedad de grabado pasó a Italia en el siglo XVIII, empezando por Tiepolo quien, se dice, ejerció una influencia importante sobre Goya. Luego vino Canaleto, el cronista de Venecia, y Piranesi, el más importante grabador de temas arquitectónicos de todos los tiempos, con unos 3.000 grabados sobre temas arquitectónicos. La tradición del grabado en Gran Bretaña data sólo de Hogarth en el XVIII, pero le siguieron rápidamente el satírico Rowlandson y luego Blake, la joya de la corona entre grabadores británicos. El contemporáneo de Blake en España era Francisco Goya, quien llevó los limites del grabado a nuevas alturas y profundidades.

El siglo XIX
El siglo XIX vio como el arte seriado seguía el mismo camino turbulento que el resto de las artes visuales. En Francia los artistas activos en este tiempo incluían a Ingres, Delacroix, la escuela de Barbizon (Daubigny, Theodore Rousseau y Jean-Baptiste-Camille Corot) y el satírico político, Honoré Daumier, quien ejecutó más de 4.000 litografías, sobre todo para ilustraciones de periódico. Entre los Impresionistas los más importantes en términos de arte seriado fueron Degas y Manet, este sobre todo en litografía. Aunque apenas hemos tocado aquí el tema del grabado japonés, hay que hacer mención especial del maestro de xilografía, Katsushika Hokusai, quien en la última mitad del siglo XVII y la primera del XVIII hizo unos 35.000 dibujos y grabados. Muchas de estas obras fueron reconocidas como obras maestras, y han ejercido una notable influencia en los artistas europeos y americanos. Los más importantes grabadores activos en la Inglaterra del XIX fueron un inglés, Francis Seymour Hayden, y un norteamericano, James McNeil Whistler. El otro americano notable de esta época fue James Audubon, aunque sus magníficas ilustraciones grabadas de pájaros tienen más importancia como ciencia natural que como arte.

Entra Picasso
El grabado, como el resto del mundo de las bellas artes, explotó en la primera mitad del siglo XX. Ante todo fue Pablo Picasso, el chico español de Málaga que hizo más de 1.000 obras sobre papel, incluidos grabados, aguafuertes, punta secas, xilografías, litografías y linóleos. Fue Picasso, casi por sí solo, quien devolvió el centro de gravedad del grabado a Francia. Luego vinieron Braque, Matisse, Rouault, Chagall, Joan Miró, Max Ernst, Jan Arp, Salvador Dalí y otros. En Alemania este fue el tiempo de los expresionistas, Emil Nolde, Max Beckmann (quien enseñó arte en los EE UU después de la II Guerra Mundial), George Grosz, Ernst Barlach, Erich Heckel, Oskar Kokoschka y otros.

A renglón seguido en Alemania se presentó la Bauhaus, donde artists como Paul Klee y Kandinsky hicieron trabajos fundamentales. En Inglaterra Henry Moore, además de trabajar en escultura, también creó una poderosa serie de litografías. Otro inglés, Graham Sutherland, también hizo trabajo notable, junto con Anthony Gross. En los EE UU del siglo XX la tradición de grabadores distinguidos incluya George Wesley Bellows en litografía, John Sloan y Reginald Marsh en aguafuerte y Milton Avery en punta seca. Pero quizas los más destacados sean Edward Hopper, con su trabajo altamente personal, y Ben Shahn, quien dominaba un amplio abanico de las técnicas seriales.

LA FOTOGRAFÍA/ parte una

Antecedentes

Un antecedente de la fotografía es la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Como antecedentes de la fotografía se encuentra la cámara oscura, y las diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se preserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.

El fisionotrazo para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.

1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.
Inicios
Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados.

La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.
Innovaciones técnicas y científicas
Daguerrotipo de 1837.

Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el daguerrotipo, el calotipo, el colodión húmedo y el gelatino-bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.
La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

EL ARTE RUPESTRE.

Origen: Wikipédia, la enciclopédia libre.

Arte rupestre, pintura rupestre o aún gravura rupestre, es el nombre que se da a la más antiguas representaciones pictóricas conocidas, las más antiguas datadas del periodo Paleolítico Superior (40.000 a.C.) grabadas en abrigos o cavernas, en sus paredes y techos rocosos, o también en superficies rocosas al aire libre, pero en lugares protegidos, normalmente datando de épocas pre-históricas.

En la vida del Hombre pre-histórico tenían lugar el Arte y el espíritu de conservación de aquello de que necesitaba. Estudios arqueológicos demuestran que el Hombre de la Pre-Historia (la fase de la Historia que precede la escritura) ya conservaba, además de cerámicas, armas y utensílios trabajados en la piedra, en los huesos de los animales que abatían y en el metal. Arqueólogos y antropólogos datando y estudiando piezas extraídas en escavações conferem a estos vestigios su real valor como "documentos históricos", verdaderos testimonios de la vida del Hombre en tiempos remotos y de culturas extintas.

Prospecciones arqueológicas realizadas en Europa, Asia y África, entre otras, revelan en que medio surgieron entre los primitivos hombres cazadores los primeros artistas, que pintaban, esculpiam y grababan, demostrando que el deseo de expresión a través de los artes es inerente al ser humano. El color en la pintura ya era conocida por el Hombre de Neandertal. Las "Venus Esteatopígicas", esculturas en piedra o marfim de figuras femeninas estilizadas, con formas muy acentuadas, son manifestaciones artísticas de las más primitivas del "Homo Sapiens" (Paleolítico Superior, inicio 40000a.C) y que demuestran su capacidad de simbolizar. La estas esculturas es atribuido un sentido mágico, propiciatório de la fertilidade femenina y al primer registro de un sentimiento religioso o de divindade, el cual convencionou-denominarse de Diosa madre, Madre Cósmica o Madre-tierra.

No es menos notable el desarrollo de la pintura en la misma época. Encontradas en los techos y paredes de las oscuras cuevas, descubrimientos por casualidad, situadas en fondos de cavernas. Son pinturas vibrantes realizadas en policromia que causan gran impresión, con la firme determinación de imitar la naturaleza con el máximo de realismo, a partir de observaciones hechas durante la cacería. En la Caverna de Altamira (a llamada Capela Sistina de la Pre-Historia), en España]], la pintura rupestre del bisonte impresiona por el tamaño y por el volumen conseguido con la técnica claro-oscuro. En otros locales y en otras cuevas, pinturas que impresionan por el realismo. En algunas, puntos vitales del animal marcados por flechas. Para algunos, "la magia propiciatória" destinada a garantizar el éxito del cazador. Para otros estudiosos, era la gana de producir arte.

Cualquiera que sea la justificación, el arte preservado por milenios permitió que las cuevas pre-históricas se transformaran en los primeros museos de la humanidad.

lunes, 4 de julio de 2011

José CÚNEO (1887- 1977)

José Cuneo
(1887-1977)

Nace el 11 de setiembre de 1887 en Montevideo. Sus primeros estudios los realiza con Carlos María Herrera en 1906. Viaja por primera vez a Turín en 1907 a estudiar en el taller de Anton María Mucchi, realizando paisajes de Italia que expone a su regreso en 1910.
En su segundo viaje a Europa estudia con Anglada Camarasa y Van Dongen.
En 1917 estudia en la Grande Chaumiere de París, se interesa en la pintura de Cézanne y Gauguin. Regresa al año siguiente y da comienzo a su etapa de pintura planista realizando una serie de retratos y paisajes de la ciudad de Melo.
En 1927 en Europa conoce la obra de Chaim Soutine atrayéndole las deformaciones expresionistas y el uso de la diagonal, lo que marcará su obra futura. Expone los paisajes de ese período de Cagnes Sur Mer en la Galería Zak y a su regreso a Montevideo, en el Ateneo. A partir de 1930 pasa temporadas en Florida y en Melo y comienza la serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo uruguayo.
En 1942 obtiene el Gran Premio de Pintura del Salón Oficial, el Primer Premio en el Salón Nacional de Acuarelas y el Premio de Pintura en la Bienal Nacional de Arte.
Viaja a Europa en 1954 y toma contacto con la pintura abstracta, lo que generará a su regreso una nueva serie que firmará con su apellido materno: Perinetti, sin abandonar las otras series anteriores.
En 1961 expone una retrospectiva de sus 50 años como artista, pero su vida artística llegará a abarcar 70 años de producción. A partir de 1963 el reconocimiento de su obra alcanza importantes distinciones dentro y fuera de fronteras.
Es premiado en la X Bienal de San Pablo en 1969 y en 1974 recibe el Premio Nacional de Pintura de Cagnes su Mer. Vuelve a Europa en 1976, donde fallece el 19 de julio de 1977 en Bonn.

Pedro FIGARI ( 1861- 1938)

Pedro Figari
(1861-1938)

Nace en Montevideo el 29 de julio de 1861. Su inclinación artística se manifiesta tempranamente combinándose con múltiples actividades. Es abogado desde 1886, nombrado Defensor de Pobres en lo Civil y Criminal, periodista y codirector de un periódico, impulsor de la creación de la Escuela de Bellas Artes, diputado, miembro del Consejo de Estado, elegido presidente del Ateneo de Montevideo, director de la Escuela Nacional de Artes y Oficios, miembro honorario de la Sociedad de Artistas Uruguayos, Asesor Letrado de la Sociedad de Arquitectos del Uruguay. Entre estas múltiples actividades se destaca su creación de ensayos filosóficos, crítica artística y poesía. Participa en numerosas tertulias junto a artistas como Sáez y Blanes Viale. En 1921 y por cuatro años consecutivos, se radica en Buenos Aires dedicándose plenamente a la tarea pictórica y recibiendo del medio una crítica elogiosa. En 1925 se traslada a París donde permanece nueve años y obtiene la consagración como artista plástico. Desde allí proyecta y organiza exposiciones en Europa y América. Regresa al Uruguay en 1933 y es nombrado Asesor Artístico del Ministerio de Instrucción Pública.
Pedro Figari es un pintor de manchas y no de líneas. Pinta el pasado sin documentarse, lo hace de memoria; con una memoria afectiva. Puebla sus espacios inconmensurables con gauchos, negros y criollos como metáforas de un presunto ser nacional.
Muere en Montevideo, el 24 de junio de 1938.

Carlos Federico SÁEZ ( 1978-1901)

Carlos Federico Sáez (24 de enero de 1878, Mercedes — 4 de enero de 1901, Montevideo)
A la prematura edad de 13 años Carlos Federico Saéz ya realizaba pinturas en su Mercedes natal de una calidad innegable. En 1891 se traslada a Montevideo donde concurre a las clases de pintura del profesor Juan Franzi.

El pintor académico Juan Manuel Blanes aconseja enviar al joven artista a Italia, práctica común en el Uruguay de la época. El gobierno otorga una beca de estudios al artista de sólo 14 años de edad. Se inicia de esta forma un periplo de siete años de estadía europea quedando bajo la tutela de Daniel Muñoz, Ministro uruguayo en Roma. Instalado en Roma en 1893, huye del academisismo y se interesa por las nuevas corrientes artísticas de la época: los Macchiaioli y el Art Nouveau.

Su obra se caracteriza por la soltura de pincelada sin dejar de lado la precisión verosimil. Al igual de la tendencia a pintar individuos y no grupos. Produciendo más de setenta óleos y cien dibujos en su breve carrera, Carlos Federico Sáez deja un legado enorme de sabiduría tanto como pintor como dibujante en el Río de la Plata. En 1900 vuelve a Montevideo ya enfermo donde muere a los 22 años de edad.

Amalia NIETO ( 1907- 2003)

Amalia Nieto
(1907 - 2003)

Nace en Montevideo el 3 de agosto de 1907 en una familia acomodada. Su padre, el Dr.Manuel Benito Nieto, pionero en cirugía cardíaca, es por entonces Director del Hospital Maciel. Tempranamente Amalia Nieto manifiesta su gusto por la plástica y en 1925 ingresa al Círculo de Bellas Artes, donde estudia pintura con el Prof. Domingo Bazzurro. Es el momento del auge del planismo en la pintura uruguaya y es también el momento del auge de los ideales demócratas e igualitarios en lo socio-político.
Estimulada por padres que le brindan los medios, emprende su primer viaje de estudios a Europa en 1929. Asiste en París a la Academia de André Lothe y a la Academia de la Grande Chaumière. En 1955 volverá a París para tomar cursos de mosaico con Gino Severini y grabado con J. Friedlander.
La década del ´30 sorprende al Uruguay con el gobierno autoritario de Gabriel Terra, pero también con el retorno de Joaquín Torres García en 1934, quien sacude el medio artístico local con su teoría constructiva. Amalia Nieto comienza a asistir al Taller como discípula a la vez que contribuye a que la labor de Torres García sea posible. En mayo de 1936 realiza una muestra de sus pinturas constructivas en Amigos del Arte y a partir de entonces se suceden en su trayectoria 33 muestras individuales y 37 premios en salones nacionales, municipales, destacándose entre ellos el Gran Premio Pintura en el XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas de 1967, el Gran Premio Escultura en el XXXIII Salón Nacional de 1969 y el Premio Pintura del Concurso de Caja Notarial de 1991.
Ha representado al Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba, San Marino y Spoletto en Italia. En 1995 es invitada a participar en el Concurso Premio Figari. En diciembre del mismo año se realiza la retrospectiva de sus setenta años de pintura en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.
Su obra consta de series, siendo las más conocidas la de calles de París, la de búhos y la de naturalezas muertas mentales. En esta última se da una progresiva pérdida del espacio representado. En 1975 la autora instala la tercera dimensión mediante la sugerencia de una situación espacial en la que se ubican objetos simples y su sombra. Poco después la tercera dimensión pierde profundidad para desaparecer en 1989, momento en que se consolida la frontalidad con la serie que la autora llama Naturalezas Muertas Mentales. Los objetos se compactan en número impar y el ícono humanizado que representan, operará como transición temática hacia las series siguientes, en las que se transformará en un claro arquetipo objeto-hombre.
Falleció en Montevideo, el 7 de febrero de 2003.

Clemente PADIN (1939)

CLEMENTE PADIN
Nace en Lazcano en 1939.

Desarrolla su trayectoria creativa en el ámbito del diseño gráfico, el net art, la performance, el videoarte y la poesía visual.
Licenciado en Letras Hispánicas por la Universidad de la República.
Ha sido director de varias revistas de poesía y arte, como OVUM 10, Los Huevos del Plata, Participación y Correo del Sur.
Desde el año 1969 ha participado en más de 220 exposiciones en diversos países como Alemania, Japón, Argentina, EstadosUnidos, Uruguay, Italia, España, Bélgica, Brasil, Corea del Sur,, Canadá y otros.
Asimismo ha organizado y formado parte en numerosos eventos artísticos y performances, entre los que destacan el Festival Latinoamericano de Arte en la Calles, Montevideo (1972), La Trienal de Poesía Visual de Porto Alegre (2000), el IV Salón de Arte Digital de La Habana (2002), el Festival de Videopoesía de Buenos Aires (2006), Rancontres Int d Art Performance de Quebec (2006) o el Cardiff Art in Time de Inglaterra (2007).
Es autor de más de 29 libros publicados en numerosos países europeos y mericanos, entre los que se destacan Horizontes Abiertos¨, ¨Visual poems¨, ¨La poesía experimental latinoamericana¨, ¨Poems to eye¨, ¨Visual World Poetry¨.
En el año 2005 es premiado con el Premio FiGARI, máximo galardón otorgado en el país a un artista de artes visuales, por su trayectoria y su presente en el arte.

E.SILVEYRA (1928)- J.ABBONDANZZA (1936)

Enrique Silveira - Jorge Abbondanza
(1928) - (1936)

Enrique Silveira
Ceramista nacido en Montevideo el 9 de setiembre de 1928. Estudió con el ceramista austriaco Carlos Heller. Fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para viajar a España.

Jorge Abbondanza
Pintor y ceramista nacido en Montevideo el 6 de marzo de 1936. Estudió dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes y luego cerámica en el taller de Enrique Silveira. Ganó Beca del Instituto de Cultura Hispánica para viajar por España. Realizó crítica de cine, arte, teatro en varios medios.

La obra en común
La formación de Silveira y Abbondanza como ceramistas desembocó en la instalación de un taller común y en un trabajo en equipo que desarrollan desde 1957, luego de una etapa de investigación de materiales y creación de esmaltes que les permitirá en las dos primeras décadas de esa labor en común el desarrollo de objetos revestidos de cierta suntuosidad de texturas, calidades y color. Desde mediados de la década del 70, han derivado hacia el agrupamiento de piezas sólo bizcochadas y montadas sobre amplias superficies, aludiendo a multitudes y a procesos de deformación, hundimiento o masificación que son desde entonces un reflejo del impacto de la realidad sobre la obra de estos artistas. Puede verse la vicisitud de una fila de cacharros con lectura de orientación abierta para la mirada nunca neutral del espectador, tanto hacia la destrucción como hacia la regeneración. Tales lecturas pueden ir desde la reflexión acerca de una condición humana inmutable, pasando por la visión histórica y latinoamericana, hasta una evocación de situaciones precisas y nacionales.

Han llevado a cabo exposiciones individuales desde 1960 en Montevideo (Centro de Artes y Letras, Centro de Promoción Cultural, Galería Karlen Gugelmeier), en Buenos Aires (Museo de Arte Moderno, 1984; Galería del Retiro, 1988; en Porto Alegre, 1974; Caracas, 1977. Han integrado envíos uruguayos de arte a: Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1964; Smithsonian Institute , Washington, 1966; Stuttgart y Berlín, 1982; Bienal de Arte de San Pablo, 1985; Galería Tretiakov, 1988; Instituto Italo-Latinoamericano, Roma, 1989; Arte BA, Buenos Aires, 1992; Caracas, 1992.

Obtuvieron premio Adquisición en el XXXII Salón Nacional, 1968; Premio Adquisición XV Salón Municipal, 1967. Les fue otorgado el Premio Nacional Pedro Figari del Banco Central en 1999.
Poseen obras suyas el Museo Nacional de Artes Visuales, el Museo Municipal de Bellas Artes, Smithsonian Institute de Washington D.C., Museo Cívico de Montevideo (Minnesota, EEUU).

Jorge PAEZ VILARÓ (1922- 1994)

Jorge Páez Vilaró

Nació en Montevideo el 19 de Mayo de 1922, y falleció el 26 de noviembre de 1994.

Perteneciente a una de las más antiguas, fundadoras, familias del país, creció y se educó en un ambiente culturalmente rico.

Su padre el. Dr. Miguel A. Páez Formoso, fue eminente abogado, autor de varios libros sobre historia americana, redactor de la Constitución de la República (1917), catedrático de economía política y derecho en la Facultad de Derecho y catedrático de Ética, Historia, Filosofía en la Universidad de la República.

JPV completó sus estudios especializándose en Contabilidad Industrial (Lasalle University) asegurándose una primera etapa de labor administrativa en importantes industrias del Uruguay.

Su firme vocación artística despertó muy temprano, concurriendo a los talleres de varios maestros del arte nacional en los que afirmó sus condiciones para las artes plásticas.

Desde 1948, apenas terminada la segunda guerra se instaló en Inglaterra, vinculándose a las más destacadas figuras de las artes locales. A partir de esa instancia, realizó múltiples viajes por Europa, donde estudió, se contactó con grandes maestros con los que convivió importantes experiencias

En 1957 organizó y llevó al museo de Arte Municipal de Amsterdam una importante muestra de arte uruguayo, incluyendo a Torres García, que giró luego por varias ciudades, teniéndolo como principal animador y locutor. Con tal motivo siguió cursos de museología con las máximas autoridades mundiales en la materia.

Su pintura o visión del arte giró ciento ochenta grados a partir de estos encuentros, volcándose hacia la pesquisa de una nueva expresión, dando rienda suelta a su actitud vital. Cada uno de sus viajes dio lugar a sostenidos debates y actuaciones públicas en su Montevideo natal así como en Buenos Aires, en donde también tenia formado su ambiente relacionado con los artistas más destacados del momento

Fue precisamente en Buenos Aires que expuso por primera vez, en la Galería Pizarro (1961), dando lugar a elogiosos comentarios y al entusiasmo de los más jóvenes que en aquel instante estaban pautando el renacer de un arte más universalista en la Argentina. Corresponde señalar que la acción de Jorge Páez Vilaró artista pintor estaba y fue acompasada por una apasionada vocación por la temática total del arte, creando al paso una de las colecciones privadas más importantes e influyentes del país.

Durante varios años ocupó la titularidad de la crítica y fundó el Suplemento Cultural del diario El Bien Público, dejando inolvidable huella con sus estimulantes e inteligentes artículos y apreciaciones sobre las artes plásticas y el revisionismo conceptual exigido por la hora de nuevas vivencias.
Entre todo este agitar de innumerables actividades, que rememoramos, conferencias, redacción de prólogos, mesas redondas, audiciones radiales, giras por el interior del país ofreciendo charlas con audiovisuales en escuelas y liceos de la República, Jorge Páez Vilaró cumplió una consecuente y nutrida cadena de exposiciones individuales y colectivas además de ser seleccionado en repetidas oportunidades para representar al país con sus trabajos, en eventos, certámenes y bienales en los que obtuvo consagratorios premios.

Analizada su rica biografía puede decirse que Jorge Páez Vilaró fue el pintor latinoamericano que obtuvo mayor cantidad de distinciones en compulsas internacionales, dentro de las cuales la más exigente, la Bienal de San Pablo le otorgó en tres ediciones el Premio Brindes Pombo por sus dibujos, el Premio Caio Alcantara Machado por sus pinturas informales, y el Premio al Mejor dibujante Latinoamericano por sus "dibujazos". Cabe a la vez ilustrar para la más inteligente comprensión de su personalidad en el terreno de la estética, que luego de sus contactos con los maestros del Informal en Europa (Tapies, Millares, Feito, Fautrier,etc.) supo de un sentido pasaje por esta búsqueda, convirtiéndose en uno de los líderes del movimiento en Sudamérica a partir de su labor irradiatoria de Montevideo.

Un trabajo histórico y una muestra retrospectiva en el Museo Municipal de su capital, le fijó en el sitial de honor de toda esta generación de los años cincuenta que cambió sustancialmente el rumbo del arte uruguayo contemporáneo. La extensa lista de muestras que hilvanó en su inquieta travesía por importantes centros de América y Europa puede ser valorada con la lectura paciente de su curriculum referente.

Juan Manuel BLANES (1830-1901)

Juan Manuel Blanes
(1830-1901)

Nace en Montevideo en junio de 1830 en el seno de una familia modesta. Tempranamente revela afición por el dibujo, el que no abandona a pesar de sus múltiples actividades. Finalizada la Guerra Grande pasa a instalar un taller en Montevideo y comienza a ganarse el sustento pintando retratos. Por problemas familiares se traslada a Salto y de ahí a Entre Ríos donde pinta para el General Urquiza los cuadros de sus victorias militares, retratos familiares y motivos religiosos.
Convencido de su necesidad de formarse, solicita al gobierno uruguayo una beca a Europa, la que le es concedida en 1860. Es el primero de una serie de viajes al viejo continente, en los que incluirá con posterioridad Medio Oriente. Sus cinco años en Europa se centran en Florencia con el maestro Antonio Ciseri de neta filiación academicista, que marcará su obra posterior. Vuelve a Montevideo entre 1865 y 1879. Realiza algunos de sus grandes cuadros de tema histórico o de actualidad y su fama se divide entre Montevideo, Buenos Aires y Santiago de Chile.
Su dibujo es naturalista. En la distribución de la luz es un académico preocupado por aislar los colores puros en medio de ocres y grises.
Con Blanes la historia nacional se convirtió en tema, con su obra despunta la pintura republicana y por ello fue llamado "el pintor de la Patria". La seriedad historicista con que realiza su tarea queda demostrada en su correspondencia, Buena parte de la cual está destinada a solicitar información minuciosa para documentarse antes de emprender sus cuadros históricos. También el paisajismo uruguayo se inaugura con Blanes. No recurre al paisaje en un sentido estricto, ya que éste constituye para él en telón de fondo de sus escenas y nunca en protagonista. Alcanza también renombre a través del género retratístico inscripto en estricta escuela academicista.
Muere en Italia, en 1901.

Antonio FRASCONI (1919)

Antonio Frasconi
(1919)

Grabador y pintor nacido en Buenos Aires el 28 de abril de 1919. Es ciudadano legal uruguayo. Reside en Estados Unidos.
En 1945 viajó a los Estados Unidos como becario de The Arts Students League of New York, y se radicó en ese país. Estudió grabado con Gross y con el pintor japonés radicado en Estados Unidos Yasu´o Kuniyoshi. Recibió una beca de la New School for Social Research de Nueva York por la que perfeccionó su técnica de grabado en madera; de la Guggenheim Memorial Foundation y del National Institute of Arts and Letters e Interamerican Felowship. Es autor de ilustraciones de múltiples libros, carátulas de revistas, y discos. Publicó colecciones de sus propios grabados. Ilustró una edición limitada de "Fábulas de Esopo" para el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Obtuvo Premio Adquisición IV Salón Municipal, Montevideo, 1943; Gran Premio Internacional de Venecia con 100 grabados sobre poemas de Walt Whitman, 1959; Premio Adquisición XXI Salón Nacional, 1967; Premio Adquisición XXXIII Salón Nacional, 1969. En1999 recibió el Premio Figari del Banco Central.

Expuso individualmente en el Ateneo de Montevideo, 1939; A.I.A.P.E., 1944; Cleveland Museum, 1952; Baltimore Museum, 1963; Museo de Brooklyn, 1964; expuso en la Comisión de Bellas Artes de Montevideo, 1957; Subte Municipal, 1961; Smithsonian Institution, 1953, 1963; Instituto General Electric, 1967; National Gallery, Washington; Museo de Arte Moderno de Nueva York, 1983; Museo Nacional de Artes Visuales, 1986; Winterthur, Suiza, 1993; Fredikstad, Noruega, 1995. Representó a Uruguay en la Bienal de Arte Moderno de San Pablo, 1957; en la XXXIV Bienal de Venecia, 1967; Primera Bienal de la Habana.

Frasconi no reproduce dibujos. Tampoco reproduce objetos: los convierte en signos. Descompone la figura en signos y, al mismo tiempo, los descubre en la textura propia de la madera. Signos con un fuerte carácter emblemático. Son (casi) caligráficos; de ahí la escritura. Acaso esa sea la razón por la cual le atraen los exlibris. En los grabados de Frasconi los textos se integran a un medio visual homólogo, a igual título que la imagen.

Está representado en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Municipal "Juan Manuel Blanes", Library of Congress, Washington, D.C.; Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; Museum of Modern Art, New York City y en decenas de museos y colecciones públicas internacionales.

Luis Pedro COSTIGLIOLO ( 1902-1992)

Biografía
Nace en Montevideo, el 6 de noviembre de 1902. De 1921 a 1925 realiza estudios en el Círculo de Bellas Artes, en 1929 comienza su periodo abstracto. Participa en la fundación del Grupo de Arte No- figurativo en 1952. Viaja a Europa entre los años 1957 y 1959. Realiza numerosas exposiciones individuales en el medio nacional y en el exterior destacándose: Museo de Arte Moderno de San Pablo, 1956; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, 1957; Ateneo Barcelonés, Barcelona, 1958; Galeria Les Contemporains, Bruselas, Bélgica 1959; Unión Panamericana, Washington, 1966. En Montevideo realiza una gran muestra retrospectiva organizada por la Intendencia Municipal en 1983 y otra muestra individual en la Sala de la Alianza Francesa. Interviene en múltiples exposiciones colectivas en el país y en el exterior, entre ellas: Pintores Sudamericanos, Galería Sudamericana, Nueva York, 1961; Integra el envío uruguayo a las Bienales de San Pablo, 1951 -53 -55 -57 -61; XXXIII Bienal de Venecia, 1966. Interviene en salones nacionales y municipales de Uruguay donde obtiene numerosos premios entre ellos el Medalla de Oro en el Salón Nacional, 1966; entre otras distinciones. Investigador de la pintura, se transforma en el precursor de la estética no figurativa en el medio uruguayo. De sus primeras producciones quedan pocos ejemplos que muestran a un artista interesado en organizar la composición a través de una creciente simplificación. Su formación personal atiende con entusiasmo las teorías de los constructivistas rusos y neoplasticistas holandeses y madura una creciente obra geométrica que lo distingue hasta sus últimas creaciones. Está representado en el Museo Nacional de Artes Visuales y en los museos: Municipal Juan Manuel Blanes, Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Fallece el 2 de junio de 1982.-

Nelson RAMOS (1932-2006)

Nelson Ramos
(1932 - 2006)

Nació en Dolores, Departamento de Soriano, el 19 de diciembre de 1932. En 1951 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde estudió con Vicente Martín. Viajó becado a Río de Janeiro para estudiar técnicas de grabado con Iberé Camargo y Johnny Friedlander (1959).

Fue colaborador de diarios brasileños como ilustrador. Becado en 1962 por el Ministerio de Educación y Cultura, viajó a Europa: visitó España, Italia y Francia. Fue contratado por el College of Art and Design de Minneapolis (EEUU, 1981). Artista residente en Massachusetts College of Art de Boston (1992). Ha recibido numerosos premios, entre ellos: Gran Premio de Pintura (Primera Bienal de Jóvenes Pintores, Uruguay, 1961); Premio Adquisición (Salón Municipal de los años 1956, 1958, 1962 y 1967); Premio de Dibujo en "Arte Actual de América y España" (Madrid, 1963); Gran Premio XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas (1967); Premio MID-AMERICA ARTS ALLIANCE, EEUU (1991), Premio ECO-ART, Río de Janeiro (1992), etc. Participó, entre otras, en las siguientes exposiciones: Primera Bienal de Arte, Córdoba, Argentina (1962); VII Bienal de San Pablo; Palazzo delle Esposizioni, Roma (1964); XXXII Bienal de Venecia; Primera Bienal de Arte (Medellín, Colombia, 1968); X Bienal de San Pablo; VII Festival Internacional de la Pintura de Cagnes-sur-Mer (Francia, 1976); XVIII Bienal de San Pablo; Galería Tretiakov de Moscú (1988); IV Bienal de La Habana (1991); XLVII Bienal de Venecia, etc. Recibió el Premio Fraternidad de la B'Nai B'Rith de Uruguay. En 1996 se le otorgó el Premio Figari. Ramos recompone la realidad a partir de fragmentos de otras realidades ya elaboradas llegando en algunos casos a suprimir el soporte, en una evolución que comienza en la década de los setenta con sus cajas reticuladas y llega a la actualidad con los casilleros sin diferenciación entre continente y contenido realizando con ello, indagaciones puramente plásticas. Sus obras se encuentran en museos de Uruguay, Argentina, Brasil, España, EEUU, etc.
Muere el 2 de febrero del 2006.

Nelson ROMERO (1951)

Nelson Romero

Un barroco contemporáneo por Alfredo Torres.

"Según Manuel Espínola Gómez, uno de los más grandes artistas que tuvo y tiene el Uruguay, el dibujo no existía como disciplina independiente, como técnica con atributos propios. Según él, siempre terminaba siendo instrumento de la pintura. En ocasiones, una especie de esqueleto fundacional, en otras, incluso su carne. Toda la obra de Nelson Romero, persistente, aparentemente igual y siempre diferente, parece ser una clara prueba sobre el acierto de esa sentencia.

Podría decirse que Nelson Romero es, un orquestador de paradojas. La primera, la más ostensible, su capacidad de abatir fronteras entre disciplinas estrictas. Dibujos que son, más allá de un notable manejo de la línea, escenarios pictóricos. Dibujos con una embriagante fragancia de grabados. La convicción de estar ante un aguafuerte, para que la mirada minuciosa, hurgadora, descubra la suavidad del lápiz, la sedosidad del carboncillo. Es en este sentido, sobre todo, que su arte pregona una sutil contemporaneidad. Todo el arte del pasado siglo, sobre todo en la segunda mitad, se ha dedicado a desajustar etiquetas. Pero además, segunda paradoja, esa contemporaneidad se encuentra fuertemente anclada en la tradición del arte occidental desde el Renacimiento al presente. La tercera paradoja remite a su habilidad para dar continuidad a un lenguaje barroco que, sin embargo, despliega un lenguaje también contemporáneo. Conste que se habla del barroco como estilo, como corriente histórica, no como adjetivo elegante. Carácter barroco, se en el contexto del movimiento pos-renacentista que nace a fines del siglo XVI y alcanza sus esplendores por tierras latinoamericanas hasta la mitad del XVIII.

Los itinerarios de sus apropiaciones a más de paradojales son prodigiosos, sobre todo, porque terminan transmitiendo lejanas fragancias sin presencias contundentes. Mezclas y cruces, superposiciones inesperadas, incrustaciones prejuzgadas imposibles, para terminar siendo, siempre, de un modo inexorable, Nelson Romero. Por ejemplo, Hieronymus Bosch, Brueghel el Viejo, interceptan con Fernando Botero, con las máscaras satíricas de otro gran artista uruguayo, Luis Solari. Durero, la robustez escultórica de Miguel Ángel, la exagerada estilización de El Greco convergen hacia los árboles de vida que se esparcen en Santo Domingo de Oaxaca y otros templos del barroco virreinal mexicano. Una banda de músicos transmite rasgos de los sensuales ornamentos de la Iglesia de Santa Bárbara en Tunja, obra cumbre del barroco colombiano. Todas sus imágenes, todos los personajes que actúan en ellas, aun las que muestran mayor cercanía con la tradición del arte occidental, terminan desembocando en una visión muy uruguaya, de ciudades muy uruguayas. No son ciudades evidentes, tangibles, son esas ciudades invisibles que cuenta Ítalo Calvino. Puede que sea Montevideo, o la ciudad donde vive, San José de Mayo. Sus bebedores irradian la melancolía infinita que nubla miradas de otros solitarios bebedores, afincados en sillas y sitios de mostradores que definen un territorio intransferible, por bares y boliches de esas ciudades, de otras ciudades rioplatenses.

Esas apropiaciones, la certeza de que las “citas” visuales terminarán siendo propias de manera indiscutible y gracias a su fuerte personalidad expresiva, le permite asumir desafíos riesgosos. No es nada fácil, transcurridas nueve décadas, experimentar con el lenguaje del cubismo y salir airoso. Contemplar imágenes como “Los esposos geométricos” o “Los músicos” y comprobar que Nelson Romero ha sabido encontrar la vuelta de tuerca para acceder a una lozanía en la sintaxis formal que termina instaurando una semántica que es, al mismo tiempo, nueva paradoja, cubismo riguroso y travesías imprevisibles por territorios expresivos casi antagónicos con la celebre vanguardia. Porque si el cubismo era, en Picasso y en Braque, desestructuración formal, en el creador uruguayo es pretexto para un juego de formas espesas, escultóricas, pregonando un vigor exuberante, triunfal, más allá de todo intento de fractura. Algo similar ocurre con la “cita” a Francis Bacon y su serie relativa a los Papas, la que a su vez es resultado de una personal “cita” a Velásquez. “Un Papa rojo” encuentra un camino absolutamente diferente de homenajear al notable pintor inglés. Si en Bacon los Papas son casi desintegraciones centrífugas, los Papas más o menos aullantes establecen una exasperación que anhela escapar del cuadro, Nelson Romero lleva ese grito, esa exasperación, hacia adentro. El rostro del Papa parece estar ahogándose en su grito, como si el dramatismo de sutiles acentos caricaturescos provocase una distorsión que hunde el rostro, desfigura todos sus rasgos anatómicos, hacen desaparecer ojos y boca, y toda la cabeza se abandona a la vorágine de las desmesuradas vestimenta, del puntiagudo tocado.

La serie de las máscaras, la serie que como se dijo engaña con su aspecto de grabado, luce una expresión asombrosa, realmente genial. La ambigüedad paradojal se manifiesta en ella por la convivencia de climas con sentidos contrapuestos, patetismo y humor, crítica y piedad, parodia y conmiseración. Máscaras que beben hasta el derrumbe o intentar aterrar, sin éxito, a una mujer en un pub, máscaras que parecen entablar diálogos apocalípticos o que se abandonan a una versión funambulesca de la última cena. Máscaras que bailan con total desenfreno o fuman larguísimas pipas. Todas ellas, más allá de su aspecto animal o de sus casi poliédricas armazones parecidas a latas o cajas de cartón, acercan una última paradoja. Son máscaras, sin duda, pero más allá de su función disimuladora, de su intención de ocultar, reflejan y desnudan la condición humana con implacable sinceridad. El creador no intenta juzgar. Al modo de un muy actual apunte de costumbre, testimonio, muestra, y sin ajenidad. En tanto ser humano él también trasiega el equipaje de sus máscaras, acarrea ese arduo trabajo de revelar y ocultar, de impudor y disimulo, de pequeñeces y grandezas. Porque la única redención posible reside en ese disyunción constante, en ese juego complejo y pendular de identidades."

Nelson Romero nace en 1951, en San José, Uruguay.

Autodidacta.

Exposiciones Individuales

1972

Realiza su primera Exposición Individual en Galería de Arte del Palacio Salvo, Montevideo

1973

Exposición Individual en Instituto Cultural Uruguay-RDA, San José

Exposición Individual, Casa Berthold Brecht

Exposición Individual en Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

1976

Exposición Individual en Galería Barcelona, Barcelona, España

1977

Exposición Individual en Galería Gordon, Buenos Aires Argentina

1978

Exposición Individual, Instituto Cultural Uruguay. EEUU

Exposición Individual en Galería del Notariado, Montevideo

1979

Exposición Individual en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

Exposición Individual Museo Municipal de Santa Fe, Argentina

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1980

Exposición Individual en Galería del Portal, Montevideo

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1981

Exposición Individual en Galería Brecha, Montevideo

1984

Exposición Individual en Galería Latina, Punta del Este

1986

Exposición Individual en Embajada de Uruguay en Argentina, Buenos Aires, Argentina

1990

Exposición Individual en Museo Departamental de San José

1992

Exposición Individual en Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo

1993

Exposición Individual en Galería Bernheim, Panamá

Exposición Individual “Escenas Judaicas”, Galería Latina, Montevideo

1999

Exposición Individual en Sala Nueva Congregación Israelita del Uruguay, Universidad de Tel Aviv, Israel

2001

Exposición Individual “Contemporary Artworks from Uruguay”, Galería Eklektikos, Washington DC, EEUU.

Exposiciones Colectivas

1972

Muestra Colectiva “10 dibujantes”, Montevideo

Exposición Colectiva en Feria de Libros y Grabados, Montevideo

Exposición Colectiva en Teatro San Martín, Buenos Aires, Argentina

Exposición en Stand de Galería "U" en la 13a. Feria Nacional de Libros y Grabados

1973

Muestra “8 dibujantes Uruguayos”, Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva “10 Artistas Uruguayos”, Galería de Arte Yasigi, Porto Alegre, Brasil

1974

Exposición Colectiva “6 Artistas Uruguayos”, Galería Lirolay, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva “4 Artistas Uruguayos”, Galería Atia, Buenos Aires.

Exposición Colectiva en Galería "U" y Galería de Arte Palacio Salvo, Montevideo

1975

Exposición Colectiva en Alliance Francaise, Montevideo

Exposición Colectiva en Galería "U"

1976

Exposición Colectiva “Segundo Salón Artistas Plásticos del Interior”, IMCA

Exposición Colectiva “Semana de la Juventud Maragata”, San José

1977

Exposición Colectiva en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

1978

Exposición Colectiva en Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Foyer, Cine Pocitos, Montevideo

1979

Exposición Colectiva “Semana de la Juventud Maragata”, San José

Exposición Colectiva en Galería Multhipla, Montevideo

Exposición Colectiva "El juguete antiguo", Galería Gordon, Buenos Aires, Argentina

1980

Exposición Colectiva “Salón de Artistas Plásticos de San José”, San Joseé

Exposición Colectiva en Asociación Cristiana de Jóvenes, Montevideo

1981

Exposición Colectiva Galería Portón de San Pedro y Secretaría de la OEA Montevideo

Exposición Colectiva, Galería Latina, Montevideo.

1982

Exposición Colectiva Artistas Jóvenes, Secretaría de la OEA, Montevideo

Exposición Colectiva Arte Uruguayo, Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales y Embajada de Alemania Federal, Montevideo, Berlín, Bonn, Stuttgart y Munich (Alemania)

1983

Exposición Colectiva Galería Latina, Punta del Este

Exposición Colectiva “Homenaje al Bicenteneraio de San José de Mayo”, Club Fraternidad, San José.

1984

Exposición Colectiva “Artistas Uruguayos”, Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales, Montevideo

Exposición permanente en Galería Latina, Montevideo

1986

Exposición Colectiva en Montevideo, Shopping Center

1987

Exposición Colectiva en Galería Latina, Montevideo

1989

Exposición Colectiva en Venezuelan Arts Center, New York, EEUU

Exposición Colectiva, Fine Arts Work Center, Province Town Massachussetts, EEUU

1990

Exposición Colectiva “3 artistas Becados a EEUU”, Club del Lago, Punta del Este

Exposición Colectiva “30 Artistas Plásticos Uruguayos”, Museo de las Américas de la OEA, Washington, EEUU

1991

Exposición permanente en Galería Latina, Montevideo

1993

Exposición Colectiva Cátedra Alicia Goyena, Montevideo

1994

Exposición Colectiva en Galería Sur, Punta del Este

Exposición Colectiva en Centro Cultural Corriente Alterna, Lima, Perú

Exposición Colectiva en Centro Cultural de Asunción, Asunción, Paraguay

Exposición Colectiva “Ambientarte”, Cabildo de Montevideo

Doble Muestra en Galería Zira Guichón, Montevideo

1995

Exposición Colectiva en Galería de la Matriz, Punta del Este

Exposición Colectiva en Punta Carretas Shopping Center, Montevideo

Doble Muestra en Galería Zira Guichón, Montevideo

Exposición Colectiva en Galería Sur, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Subte Municipal Montevideo (obras premiadas)

1996

Exposición Colectiva en Sala Eduardo Carvajal, Teatro Macció, San José

Exposición Colectiva en Centro Cultural Vasseur, Santa Lucía

Exposición Colectiva “Artistas Plásticos Maragatos”, Ateneo de Montevideo, Montevideo.

1997

Exposición Colectiva en Museo del Gaucho y la Moneda, Montevideo

Exposición Colectiva en Teatro Macció, San José

Exposición Colectiva en Embajada de Uruguay en Argentina, Buenos Aires, Argentina

Exposición Colectiva en Museo de San José

Exposición Colectiva en Cátedra Alicia Goyena, Montevideo

1998

Exposición Colectiva en Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo

1999

Exposición Colectiva en Embajada de Uruguay en Washington DC, EEUU

2004

Exposiciones colectivas con Trazos UY – Exhibition of Uruguayan Artists:

- “Annual Gala of Hispanic Achievers”, Plaza Hotel, Nueva York, EEUU

- “Premier Event and silent auction” Waldorf Astoria, Nueva York, EEUU

- “1st Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

- “2nd Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

- "First Year Anniversary Celebration", Pearson Convention Centre, Brampton, Canadá

- “3rd Exhibition of Uruguayan Artist", Manulife Centre, Toronto, Canadá

2005

Exposiciones colectivas con Trazos UY – Exhibition of Uruguayan Artists:

- “The Rainbow Ball” Mississauga Convention Centre, Mississauga, Canadá

- “Salón Iberoamericano de Artes Plásticas”, Consulado General de México, Montreal, Canadá

Premios, Concursos y Bienales de arte

1973

Invitado a participar en el Premio de Dibujo “Joan Miró”, Barcelona, España

Invitado a la Segunda Bienal de Dibujo y Grabado de Cali, Colombia

1974

Invitado al “Salón de Dib” organizado por el Centro de Artes y Letras de Punta del Este

Gran Premio “Salón de Dibujo”, Punta del Este

1979

Premio Bienal Latinoamericana de dibujo, Museo de Maldonado

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

1980

Anual Staff Gordon Gallery, Buenos Aires, Argentina

Invitado a la “1º Bienal Internacional del Deporte en las Artes plásticas”, Montevideo

Invitado a la “4º Bienal de Dibujo, Museo de Arte Americano de Maldonado”, Maldonado

Invitado a la “3º Bienal Latinoamericana de Dibujo, Museo de Arte Americano de Maldonado”, Maldonado

1983

Seleccionado Premio Concurso “Club del Lago”, Galería Latina, Punta del Este.

1984

Primer Premio Concurso "El Olimpismo y las Artes Plásticas", Subte Municipal de Montevideo

1985

Mención de Honor en la “7º Bienal Internacional del Humor y Sátira en el Arte”, Grabrovo, Bulgaria

Exposición en “Arco”. Madrid, España.

1986

Invitado a la “2º Bienal de la Habana”, Cuba

Invitado al “6º Premio Citicorp”, Museo de Arte Americano de Maldonado, Maldonado

1994

Participa en el “10º. Seminario de Dibujo Iberoamericano”, Washington, EEUU

1995

Seleccionado en la “12º Bienal del Humor y la Sátira 95”, Grabrovo, Bulgaria

Premio “Museo Departamental” en el “XXIV Salón de Artistas Plásticos del Interior”, Museo de San José

2004

Invitado a la “Bienal Internacional del Humor y la Satira en el Arte”, Grabrovo, Bulgaria

Bibliografía

"El Dibujo", W.E. Laroche

"Arte Uruguayo y otros" , Prof. Ángel Kalenberg

"Escenas del Mundo Interior", Prof. Nelson Pilosof

Colecciones particulares

Uruguay, Argentina, Brasil, Venezuela, Colombia, México, EEUU, Canadá, España, Japón, Francia, Alemania, Suiza, Holanda, Italia e Israel.

Museos

Casa del Humor y la Sátira, Grabrovo, Bulgaria.

Fine Arts Work Center, Province Town Massachussets, EEUU

Fundación Pompidou, Paris, Francia.

Fundación Rally, Punta del este.

Museo de Arte Americano, Maldonado

Museo de Arte Contemporáneo”, Montevideo.

Museo Nacional de Bellas Artes, Montevideo.

Museo José Luis Cuevas, México
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Clarel NEME (1926-2004)

Clarel Neme
(1926 - 2004)

Pintor uruguayo nacido en Rivera el 9 de julio de 1926. Falleció en Montevideo el 14 de febrero de 2004.
Desde 1954 hasta 1958, estudia dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Montevideo con Vicente Martín; En 1962 gana por concurso la Beca Carlos María Herrera, realizando un viaje de estudios a Europa.
Realizó exposiciones individuales en varias oportunidades, entre ellas: Galería Moretti, 1966; Galería Aramayo, Galería Portón de San Pedro, 1968; Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos, 1969; Galería Karlen Gugelmeier, 1970, 1983; Museo de Arte Americano de Maldonado,1984,1992; Galería Swiss Bank Corp, 1994. En 1995 el Banco Central le otorgó el Premio Figari.
Participó en los salones nacionales de 1960, 1962, 1966; en el Salón del Retrato del Museo Nacional de Bellas Artes, 1966; en el Salón Municipal, 1967; Comisión Nacional de Bellas Artes en Paysandú, 1967; First National City Bank, 1968; y otras muestras colectivas dentro y fuera del País.
Con una pintura muy imaginativa Neme crea grotescas y voluminosas carnaciones de expresionismo rudo y despojado con el que retrata la condición humana. Evidencia una crítica social cruda al mismo tiempo que poética. Un extraño clima es logrado por el uso de un cromatismo irreal. En su obra aparece el humor, el talento y la sensibilidad.
Está representado en museos y colecciones del Uruguay y del extranjero.
arriba

Hugo LONGA (1934-1990)

Hugo Longa (1934 - 1990) Este artista comenzó a exponer desde 1966. Su obra refleja un peculiar desenfado imaginativo y cromático. Entre sus series se destacan los collages sobre Auschwitz creados entre 1967 y 1976, el plasmado de objetos, assemblages y collages donde explora mundos imaginarios, lo fabuloso y lo mágico, con cuotas de surrealismo y arte Pop. Plasmó lo inverosímil y lo grotesco en pintura y en las técnicas antes mencionadas, mostrando un poderoso sentido del humor , explorando ciertas perspectivas humanas y buceando en las realidades inconscientes. Los cuadros neoexpresionistas creados a partir de los años ochenta son incitantes por la densidad de la materia, las pincelados violentas en múltiples direcciones, las alteradas relaciones de escala, el cromatismo desbordante, los chorreados y manchas vehementes, y la iconografía agresiva.

La trayectoria docente de Hugo Longa fue muy importante; sus numerosos alumnos integran el grupo de artistas jóvenes del Uruguay actual.

Rodolfo Fuentes (1954)

Rodolfo Fuentes Baez
Santa Lucía 1954.

Diseñador gráfico / Fotógrafo. Vive (exactamente desde 1954) y trabaja (aproximadamente desde 1970) en Uruguay.

Fundador de la Asociación de Diseñadores Gráficos Profesionales del Uruguay (1990), Miembro Fundador de la Alianza Latinoamericana y del Caribe de Diseñadores Gráficos (1992), Miembro Honorario de la Asociación Argentina de Diseñadores Gráficos (1993).

Premio Morosoli (1996).

Docente: Foto Club Uruguayo (1987), Centro de Diseño Industrial (1992-95), Universidad ORT (1995-2000)

Conferencista en simposios y workshops en congresos y universidades de Uruguay, México y Brasil.

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Algunas exposiciones:

Como diseñador

30 POSTERS ON ENVIRONMENT AND DEVELOPMENT, ECO 92 Cumbre de la Tierra, Rio de Janeiro, BRASIL. Invitado junto a Shigeo Fukuda, Neville Brody, Dan Reisinger, Gert Dumbar, Nancy Skolos, Pierre Bernard, Ken Cato, Niklaus Troxler y otros, para el proyecto exhibido en 61 galerías y museos de todo el mundo, incluyendo el MUSEU DE ARTE MODERNA DE SAO PAULO, el CENTRE GEORGES POMPIDOU y las sedes centrales de las NACIONES UNIDAS en New York y Ginebra. (1992)

INTER GLOBAL DESIGN ACTION, fax contra los test nucleares franceses
Convocatoria mundial exhibida en forma itinerante en Europa. (1995)

FAX ART por la preservación de la capa de OZONO, junto a diseñadores de todo el mundo. (M. Glaser, Shigeo Fukuda, Dan Reisinger y Helmut Langer entre otros) Convocatoria mundial , itinerante en Venezuela y otros países de Latinoamérica y Europa. (1996).

2da Exposición Internacional del Cartel organizada por ADA/Alianza de Diseñadores Argentinos.
En la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina. (1996)

INTERCAMBIOS / 16 Diseñadores Exposición con motivo del XVII Congreso Mundial de ICOGRADA, Punta del Este. (1997)

AGITNET Posters contra la censura del e-mail en Zimbabwe, Convocatoria mundial, exhibida en sitio web (2000).

LUIS ALMEIDA / RODOLFO FUENTES: Identidad Latinoamericana en un mundo global Galería del Instituto de Artes Visuales de la UNIVERCIDADE, Río de Janeiro, BRASIL (2005).

Como fotógrafo
Además de su trabajo profesional, que continúa desarrollando, expone entre 1976 y 1993 a través de muestras individuales y colectivas en Uruguay, Argentina, Brasil, Chile, Venezuela, URSS y Alemania. Sus muestras son seleccionadas por AICA (Asociación Internacional de Críticos de Arte, Filial Uruguay) como lo mejor del año en 1986/87/88.

Su obra de diseño en colecciones internacionales:
Colecciones permanentes del MUSEU DE ARTE MODERNA (Río de Janeiro, BRASIL), THE ISRAEL MUSEUM, (Jerusalen, ISRAEL), MUSEO DE LA PUBLICIDAD, (Louvre, Paris, FRANCIA), Biblioteca del Congreso de los EE.UU, Colección de la Bienal de BRNO (Rep. CHECA), Colección de la UNIVERCIDADE (Río de Janeiro, BRASIL)

Algunas publicaciones sobre su trabajo:
NOVUM (Alemania), DESIGN ART (Taiwan), ABIGRAFICA (Brasil), tipoGRÁFICA (Argentina), GREATIS (Rusia), IDEA (Japón) DESIGNE (Brasil) y EL ARQA (Uruguay) entre otras.

Publicaciones teóricas de R. Fuentes sobre Diseño Gráfico:

La práctica del diseño gráfico / Prólogo de Joan Costa / Editorial PAIDOS, España / 2005 (Edición en portugués para Brasil y Portugal: Ediçoes ROSARI, Brasil / Abril 2006) Texto utilizado en Universidades de Brasil, Bolivia y España.

¿Qué es el diseño? / Introducción a textos de 50 diseñadores internacionales de primer nivel: Alan Fletcher, Milton Glaser, Niklaus Troxler, Xavier Bermúdez, Felipe Taborda, Uwe Loesch, Chaz Maviyane, Wang Xu, Carlos Palleiro, Pablo Kunst, Fernando Medina entre otros. Editorial CommTOOLS, Argentina / 2005

Los Veinte: el proyecto uruguayo. Arte y diseño de un imaginario 1916-1934 / Texto sobre Diseño Gráfico en Libro- Catálogo de exposición / Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes, Montevideo / 1999

Diversos artículos en revistas: IMPRESIÓN GRAFICA (Bolivia), DESIGNE (Brasil), EL ARQA, y CULTURAL de El País (Uruguay), entre otras (1983- ).

José BELLONI (1882-1965)

Nació en la ciudad de Montevideo el 12 de setiembre de 1882. Muy joven se trasladó a Europa, comenzando su carrera artística en Lugano (Suiza) bajo la dirección del maestro Luis Vasseli, en la Escuela Profesional de dicha ciudad.Vuelto al Uruguay obtuvo por concurso una beca de escultura en el año 1899. Regresó a Europa, concurriendo a la Academia de Munich, enviando anualmente sus trabajos a las exposiciones de esa ciudad, como asimismo a las de Roma, Ginebra, Budapest, Lugano, Lausana y Neuchatel. Enseñó dibujo profesional en Tesino (Suiza).

Finalizada su beca regresó a Montevideo, donde fue designado por la Comisión del Círculo Fomento de Bellas Artes, para dirigir las clases de modelado y de dibujo ornamental, cargo que ocupó hasta el año 1914, cuando con motivo de la muerte del pintor Carlos María de Herrera, director del Círculo fue designado para ocupar esa vacante.

En el año 1910 concurrió a la exposición de Arte del Centenerio Argentino, en el que obtuvo una medalla de plata por su obra "Angustia". En el año 1914, realizó el monumento conmemorativo a la memoria del pintor uruguayo Carlos María de Herrera, ubicado en el Paseo del Prado. Dentro de su vastísima obra cabe mencionar el monumento a "La Carreta", emplazado en el Parque Batlle y Ordoñez, una de las más admirables obras del género escultórico, que alcanzara justa fama universal, así como "La Diligencia", ubicada en el Prado, obra de similares características a la anterior.

Es también autor de algunas figuras decorativas del Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo y de bajorrelieves que se hallan al frente de dicho edificio.

Paralelamente a su producción artítica se desempeñó en la docencia, al frente de la clase de modelado y dibujo al natural y modelo vivo en la Facultad de Arquitectura. Una desbordante tarea de taller absorbió lo mejor del genio creador del artista.

Es así que entre las diversas esculturas ubicadas en diferentes lugares públicos de Montevideo se puede citar: los monumentos a Ansina, Juan Manuel Blanes, Dr. Julio Carrere, El Aguatero, El Entrevero, Dr. Luis Morquio, Nuevos Rumbos, José Enrique Rodó, Guillermo Tell y María Eugenia Vaz Ferreira.

Falleció el 28 de noviembre de 1965, en la ciudad de Montevideo, en la que ha quedado perpetuado el genio creador del gran maestro.

Augusto TORRES (1913-1992)

Augusto Torres
(1913 - 1992)

Nace el 19 de junio de 1913 en Barcelona siendo el segundo hijo del pintor uruguayo Joaquín Torres García. Los traslados permanentes caracterizan a la familia Torres García y contribuyen a que la primera formación del joven pintor se desarrolle en Europa y Norte América. Trabaja en París en el taller del escultor Julio González y asiste a las clases de dibujo de Amadeo Ozenfant. En abril de 1934 la familia Torres García arriba a la ciudad de Montevideo, Uruguay. Poco tiempo después Joaquín Torres García funda la Asociación de Arte Constructivo (AAC, 1935) de la cual su hijo forma parte. Dicha Asociación se disuelve en 1943 fundándose el Taller Torres García del cual Augusto Torres es uno de sus miembros. De esta época datan los trabajos que firmaban indistintamente TTG. El Taller presenta numerosas exposiciones colectivas en: Montevideo, Buenos Aires, París y Washington entre otras ciudades. Mientras tanto realizan 27 grandes murales en el Hospital Saint Bois. En 1954 Augusto Torres pinta un mural para el Sindicato Médico de Montevideo con ayuda de Elsa Andrada y otros compañeros. Participa en 1953 y 1979 en las Bienales de San Pablo representando a Uruguay. Entre los años 1954 y 1956 expone en la XXIX Exposition del Salón des Surindependents en el Museo de Arte Moderno y en el Museo de Amsterdam "Jonges Schilders uit Uruguay". Realiza exposiciones en el Santa Barbara Museum of Art y además interviene en muestras colectivas en Dusseldorf (1986) y Japón (1987). En la obra de Augusto Torres se destaca la fusión de las dos tendencias que predominan en el arte desde los tiempos más remotos: por una parte la tradición mental, abstracta, racional, geométrica, universal y por otra un arte visual concreto, sensible, luminoso y particular. Pretende así el pintor que esos dos polos coexistan simultáneamente en su obra. Este fenómeno lo logra acentuando en algunos casos lo que la sombra tiene de formal y en otros lo que posee de accidente luminoso.

Muere en la ciudad de Barcelona el 13 de marzo de 1992.

Mario LORIETO (1919)

Mario Lorieto
(1919)

Pintor y escultor nacido en Montevideo el 10 de agosto de 1919. Integró el Taller Torres García desde 1952 hasta el cierre del mismo en 1964.

Estudió pintura y dibujo con José Gurvich, Julio U. Alpuy y Augusto Torres. Realizó viajes de estudio a varios países europeos en 1953, 1966 y 1969.

Expuso individualmente en Taller Torres García, Instituto General Electric,1965; Due Mondi, Roma, 1971, 1976,1978; Losada Artes y Letras, 1970, 1972, 1975; Galería Vieytes, Montevideo, 1981; Allianza Francesa, 1984; Galería Espacio Amalfi, 1980; Galería Bruzzone, 1990; Galería Sur, Punta del Este, 1995; Atrio Intendencia Municipal de Montevideo, 1996; Molino de Pérez, 2001. Participó en todas las muestras colectivas del Taller Torres García desde la 9º exposición, en Montevideo y en Nueva York.

Obtuvo Premio Adquisición XI Salón Municipal 1959; Medalla de Oro en el Concurso del Instituto Panamericano de Cultura, 1969; Premio Adquisición XII Salón Municipal, 1960; 1er. Premio Escultura XXXVI Salón Municipal, 1989; Premio Nacional Pedro Figari del Banco Central, 1998.

En la década del 60 comenzó a experimentar con madera y cemento, aplicando estos materiales a trabajos murales. Desde 1970 trabaja en collage y en hierro. Utiliza el collage con criterio plástico-pictórico. Con los papeles obtiene gradaciones cromáticas propias de la pintura. La paleta tonal, el despojamiento y la austeridad son características salientes de su obra. Trabaja el metal por medio de la soldadura de diferentes piezas, crea figuras antropomórficas sugestivas en las que el peso del material cuenta poco debido lo aéreo y leve de las formas.

Está representado en el Museo Municipal de Bellas Artes "Juan Manuel Blanes "; Museo Nacional de Artes Visuales; Hospital de Clínicas; Parque de Esculturas del "Edificio Libertad"; Bolivia y Avenida Italia; Jardines de Tres Cruces; Hall de la Institución Médica IMPASA; sede del Club Peñarol; Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid; Museo de Bellas Artes de Buenos Aires; Museo de Arte Moderno de Roma.

Clever LARA (1952)

Clever Lara
(1952)

Nació en Rivera, el 26 de noviembre de 1952. Sus primeros estudios los realizó en su ciudad natal. En el período comprendido entre 1964 y 1968, participó en el Taller de Edgardo Ribeiro. En usufructo de la Beca Guggenheim estudió grabado en metales en el Prat Graphics Center de Nueva York (1984). En ese mismo año hizo un curso de grabado con Luis Camnitzer en Valdottavo-Lucca, Italia. Entre las principales exposiciones colectivas en las que intervino, pueden citarse: Premio Miró, Barcelona, 1976; XVI Bienal de San Pablo; Bicentenario del Nacimiento de Simón Bolívar, Mérida, Venezuela, 1983; Four from Uruguay, Nueva York, 1984; Primera Bienal de La Habana, 1984; XLII Bienal de Venecia; Primera Bienal de Pintura, Cuenca, Ecuador, 1987, etc. Además, ha expuesto en Paraguay, Chile, España, Alemania, EEUU, Israel, Unión Soviética, etc. En 1989 expuso en el Venezuelan Arts Center de Nueva York. Recibió el Tercer Premio en la exposición Bicentenario del Nacimiento de Bolívar, Gran Premio PANAM-VII Bienal Internacionalde Pintura de Maldonado (1987), etc. En 1988 fue distinguido por la Fund for Artists Colonies, EEUU. Dirige su propio Taller. Recibió el Premio Figari en 2001. Ha actuado como comisario en envíos de Uruguay a exposiciones internacionales (Bienal de San Pablo y Bienal de Venecia). En los lienzos de Lara emerge de un modo natural un aura de mundo mágico y trágico al que se superpone un orden geométrico que respeta la identidad de los objetos. No desemboca en un juego manierista merced a las relaciones encuentro/desencuentro que establece con los objetos. En las zonas centrales de sus pinturas se inscriben ventanas hacia lo real que confieren credibilidaad a la imagen, mientras la pintura se desvanece a los márgenes. Obras suyas se encuentran en museos de Uruguay y Paraguay, así como en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, EEUU y Paraguay.