ARTES PLÁSTICAS/ algunos conceptos.



ALGUNOS CONCEPTOS DE ARTES PLÁSTICAS

Figura - Fondo:
Ley de la Sicología de la Forma, formulada por E. Rubin que establece la tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas (figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Según esta ley toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura en tanto que la restante actuará como fondo. E. Rubin, fijó además otras cualidades principales que determinan el fenómeno: todo objeto sensible existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, el fondo calidad de sustancia; nunca los límites son comunes a ambos campos; siempre pertenecen a la figura; se tiene la impresión que el fondo `pasa' por detrás de la figura; la figura es por lo general el campo de menor tamaño; el color es más denso y compacto en la figura que en el fondo; también aquella presenta mayor estabilidad, claridad y precisión, apareciendo siempre más cerca del espectador. Todo lo de la figura se recuerda mejor.
Imagen:
Se llama usualmente imagen a las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de aprehensión de un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación. Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas, afectivas, volitivas, etc.
En el sentido artístico, la imagen plástica puede ser definida como el resultado de un proceso de creación, en el que, buscando la adecuación de los materiales, las técnicas y la organización sufre una transformación de las impresiones sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la experiencia, la que aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La imagen trae consigo la actualidad del objeto convocante de lo dado.
Percepción:
El término alude primariamente a una aprehensión, sea cual fuere la realidad aprehendida. Percibir es en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas intelectuales se habla entonces de nociones. El rojo o el verde no son sensaciones, son algo sensible, y la cualidad no es un elemento de la conciencia, sino una propiedad del objeto.” También es distinta de la intuición intelectual, parece ser equidistante de ambos actos. Distingue entre percepción interna y externa, llamadas a veces intuiciones. La interna llamada también inmanente, son vivencias intencionales, cuya esencia consiste en que sus objetos intencionales, cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial. La percepción es sensible cuando aprehende un objeto real, `que es aprehendido directamente' y categorial cuando aprehende un objeto ideal, es decir cuando se constituyen nuevas objetividades que se fundan en las anteriores y se refieren a ellas. Dentro de este campo la percepción tiene una base sicológica, pero con un propósito ontológico.
No se supone al mundo percibido el mundo de las ideas. La idea descansa sobre la percepción. El mundo percibido es el fondo siempre presupuesto por toda racionalidad, todo valor y toda existencia.
Para dar un ejemplo, al observar una mancha clara, sobre un fondo oscuro homogéneo, todos los puntos que integran la mancha, tienen una función, hacer de ellos una figura. El color de la figura parece ser más denso que el del fondo, hay contraste; los bordes de la mancha de la figura, le pertenece totalmente a ella; la figura parece colocada sobre el fondo, al cual no interrumpe y que pasa por debajo de ella. Esto constituye una percepción elemental, pero como cada parte anuncia más de lo que contiene, ya está cargada de sentido.
Proporción:
Es una relación de medidas armónicas entre las partes componentes de un todo, tanto como la distancia armoniosa entre parte y parte. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo orgánico e inorgánico. Pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica, la relación existe pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación general, lo que contribuye a la belleza y la vitalidad.
Razones numéricas o geométricas de distinta índole que emergieron de investigaciones sobre la naturaleza fueron aplicadas al arte, siempre en la persecución de una unidad armónica, los diversos rectángulos, pentágonos, las divisiones internas de los mismos, etc.; tanto como en los diversos cánones de medida aplicados a la figura humana para obtener belleza, por ejemplo los cánones de siete u ocho cabezas hacen a la proporción. El recurso de la forma regular fue tenido en cuenta, aun frente a la influencia de distorsionante de la perspectiva, es así que de acuerdo con Vitrubio los griegos ensanchaban la
parte superior de la columna, respecto de la inferior y en relación al aumento
de altura para mantener la proporción cuando ésta entraran visualmente en la convergencia de la perspectiva. Todo esto tenía como finalidad salvar la belleza de la obra.
Punto:
Según Wassily Kandinsky, es el elemento plástico básico. Siguiendo sus conceptos el punto en plástica no es un ente material, sino que al reclamar una cierta superficie sobre el plano, se materializa, posee límites, sus tensiones internas y comienza a vivir como ente autónomo; en él se encuentra el embrión de la línea y el plano, pero se lo percibirá como punto si en relación con el plano que lo contiene y los elementos que lo rodean, su tamaño es adecuado a la percepción de un punto. Su forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc. Constituye el `sonido' elemental de la plástica y con sólo un punto sobre el plano éste ya comienza a expresarse estructuralmente.
Existe una designación geométrica del punto a través de la O. igual `origo' es decir, origen, comienzo.
Plano:
Tiene dos dimensiones. Rectángulo del cuadrado. Se le denomina también al nivel espacial. Que guarda siempre características de chatura, de poca profundidad.
Desde el punto de vista geométrico, el plano puede ser representado sobre una superficie, pero en el espacio no es posible representarlo sin espesor, tiene que existir como material, en este caso si el alto y el ancho predominan con respecto al espesor percibimos la forma como un plano.
Movimiento:
Es el foco de atención más fuerte en una comprensión.
Sugerencia que logra en un orden plástico debido a la aplicación, en la organización, de determinados fundamentos visuales: destino común, buena dirección, agrupamiento, secuencia lineal, transponibilidad, progresión, alternancia, etcétera.
Tensión existente entre varios elementos formales o lineales y el campo que los contiene, a través de la cual las figuras son atraídas, repulsadas o aquietadas provocando la sugerencia del movimiento o desplazamiento. Según la regla de Duncker, en la experiencia de desplazamiento el marco tiende a permanecer fijo, mientras que el objeto dependiendo de ese marco ejecuta el movimiento. La estructura del contexto en el espacio y en el tiempo determinan la percepción del movimiento; de igual manera ocurrirá con las propiedades del movimiento, es decir velocidad y dirección (la velocidad puede ser constante, cambiar en progresión regular o abruptamente). El movimiento se percibe dentro de ciertos límites de velocidad, el minutero del reloj, aparentemente parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las paletas de un ventilador se ven como una forma borrosa y quita dada su alta velocidad.
De igual manera un objeto pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran tamaño. La dirección está determinada por el sentido de la secuencia en que un objeto, forma, color, etc. sigue en un orden dado, o por la tensión de una línea, forma, etc. con respecto a un borde o en su propia dinámica, así vemos desplazarse hacia arriba a una vertical con velocidades distintas en sus extremos, subir a un triángulo isósceles, dirección igual en una horizontal con mínima diferencia de velocidad hacia la izquierda, y carecer de dirección a un cuadrado. Es decir, los elementos axiales expresan movimiento, una catedral gótica es ascendente. Las superficies curvas expresan movimiento doble, acercarse y alejarse.
El movimiento puede ser continuo, con dirección establecida, lineal o giratoria. La forma del movimiento puede ser simple o compleja, cuando por ejemplo, varios elementos realizan igual movimiento con igual ritmo, o cuando dos o más grupos realizan distintos movimiento organizados con ritmos distintos entre sí.
Croquis:
Diseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de un paisaje, de una posición militar, etc., sin valerse de instrumentos ni aparatos geométricos en forma de dibujo y como tanteo o preliminar de algo que puede completarse.
A pesar de ello un croquis no carece de mérito. Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se consideran actualmente como obras de gran valor, debidamente apreciadas y con categoría de producciones artísticas. Son famosas, por ejemplo, algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da Vinci, etc.
Boceto:
En pintura, es la plasmación de la primera idea del artista, realizada en un borrador, es decir, en una superficie apta simplemente para trazar unas líneas y dar unos colores, todo de forma rápida, y con el único objeto de conocer el objeto que ha de producir la obra definitiva.
Tono:
Color integrado en todas sus dimensiones.
Se denomina también tono a la escala resultante de un color mezclado sea con blanco, negro o gris, es decir, al matiz o bien con su color complementario.
Escala de valores:
Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este caso se refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de claridad o oscuridad.
Tonalidad:
Es la resultante de diversas relaciones del tono, conceptuado en todas sus dimensiones, que por su organización tienden a provocar un tipo tal de orden de color que se manifiesta moviéndose hacia la armonía, el contraste o la relación de temperatura.
Frente a un cuadro siempre se hace referencia a la tonalidad dominante, sea armónica, por predominio de un solo color (monocromático), por predominio de un color al cual los otros tienden a asemejarse por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como por su oposición (contraste), o por su temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse también en valores de grises.
Valor:
Grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de valor, por ejemplo, blanco y negro. El valor pone de manifiesto un mayor o menor grado de la posibilidad lumínica, ligada ésta siempre a la claridad u oscuridad del mismo. El valor no es condición única de los grises que resultan de la mezcla de blanco y negro, sino de toda aquella superficie que refleje más o menos luz.
Así el color puro tiene un valor que es intrínseco, dependiendo siempre de su grado de claridad, teniendo en consecuencia una ubicación con respecto a la escala de valores; de esto resulta que el amarillo es más claro que el violeta y el rojo anaranjado, tanto como el azul verde se encuentran en el centro de estos extremos.
El valor de un color puede a su vez ser variado y controlado por las mezclas que él mismo sufra, sea con blanco, negro, grises y sus complementarios, en este caso no sólo varía su valor sino a la vez su saturación, dado que la mezcla quebranta el color, neutralizándolo y haciéndole perder su pureza.

ROSA CAZHUR. Historias y palabras. Recopilación de Rodolfo TORRES.

ROSA: un ser diferente con las manos y el corazón llenos de pan y de levaduras Hace un tiempo atrás, tal vez hasta más atrás de la vaguedad que el término no disimula, conocí a ROSA. Fue a través de una amiga en común y desde allí fui descubriendo en ella a alguien tan especial, que solo su arte permitiría ir conociendo bajo las vestiduras proporcionadas por las historias de su vida. En cada oportunidad de encuentro iban apareciendo a manera de piezas de un puzzle casi sorprendente, devenires de historias y opciones que hoy componen a ROSA y su presente. Así aparece ROSA artista plástica, ceramista, poeta, o sea...ROSA creadora y total, a quien sin dudas solo el tiempo y sus caprichosas puertitas,podrá mostrar en su real dimensión, pues en este caso y como en muchos otros, la cercanía se contamina de oscuras subjetividades. Desde allí, ROSA aparecerá como alguien que aportó mucho para un medio marginador con sus excusas de siempre, que solo vío en ella a una emergente de las resistencias humanas, que puede hacer a pesar de... Ejemplos hay de sobra y hasta más de los imaginables y que de alguna manera todos somos responsables. Sus descarnados empujes de arte vivenciados en amorfos seres devenidos de manchas en movimientos, su temática recurrente de solitarios abrazados en danzas rituales, alegóricas y exorcistas de soledades y destemplanzas, sus mujeres embarazadas o en cruentos actos de parto, la hace singular como un trapecista sin pista ni red, donde apenas el chorreado de un color hacia un margen de la hoja, es su apocado y efímero apoyo en inciertos horizontes. Hoy que la vida apunta a ser una libretada y perversa estructura que nos va dejando sin UTOPÍAS, ni trapecios sin red, ni corazón...es una suerte que ROSA sea ROSA.

ROSA CAZHUR según ROSA CAZHUR Nací en Durazno el 22 de julio de 1947. Pertenecí a una familia muy especial de Durazno. Desde muy pequeña me interesé en la figura humana, buscando proporciones y parecido. Mi primer retrato se lo hice mi abuela materna. Ella acostumbraba todos los días tomar en su vaso un huevo con agua, no sé por qué razón curativa. una de esas mañanas comencé a dibujarla en una hoja de cuaderno: tenía el vaso en la mano y una mañanita celeste de crochet. Todo quedó impecable: dibujo,color, parecido. mi madre estaba orgullosa de mi, pues amaba mucho a su madre y a mi. A los diez años comencé un curso por correspondencia de caricatura, historietas y dibujo artístico. por primera vez usé tinta china, pero no era lo mío y dejé de hacerlo. A los trece años ocurrieron muchas cosas: ingresé al Taller de Artes Plásticas de Durazno, que dirigía el gran grabador Claudio Silveira Silva, que era un revolucionario en sus grabados, pero sin embargo imponía una técnica torresgarciana para la pintura. Me cansé de dibujar todo recortado en negro y de una cabeza de vaca que estaba permanentemente como modelo. Fue entonces cuando mi padre me dijo: ¨¿ Usted quiere pintar, m”hijita? Entonces me llevó a la casa más grande de materiales para artistas en la capital ¨La Platense¨y ahí compré todo lo que me pareció necesario: óleos WINSOR ( nunca volví a tener esa marca), témperas, paleta, espátula, telas, cartones. Cuando volvimos a Durazno mi padre mandó a hacer un caballete, que nunca o casi nunca usé para pintar, solo para mirar los cuadros que terminaba de pintar. Me gustaba sentarme en la cocina, con mi madre. El rojo Pozzoli de sus tucos me inspiraba y también su increíble ternura. Hice retratos a toda mi familia: también salía apintar paisajes. En ese verano conocí a Joaquín Aroztegui. Fué mi primer maestro. Lo que ya había hecho intuitivamente pasó a tener nombres técnicos, cálidos, fríos, ritmos, direcciones, composición. yo compraba libros libros de arte que estudiabamos con entusiasmo. Recuerdo especialmente a Gino Morandi, a Goya y los impresionistas. El ya pertenecía al grupo TOLEDO CHICO cuya consigna era ¨Por una cultura vernácula y popular¨. Estaba constituído por Aroztegui, desde luego, Jorge Nelson, alumno de de Prevosti, Eduardo Amestoy, alumno de prevosti también, Raúl López Cortez, único alumno de De Simone y el escultor Ramón Carballal. Concomitantemente surgió el grupo o movimiento Canto Popular. Se puede decir que por ese entonces todos los integrantes del grupo hacíamos canto popular. Estábamos relacionados con Daniel Viglietti, Los Olimareños, el Sabalero y otros. Publicamos la primera edición de HOMBRES Y OFICIOS de Juan Capagorry, de una forma completamente artesanal. A los dieciocho años me casé y comencé a estudiar Psicología, que no pude terminar gracias a la dictadura y a que me atrasé un año y medio por que tuve a mi hija Delmira. Con el grupo TOLEDO CHICO teníamos reuniones semanales y seguimos haciendo publicaciones y grabados una vez por mes y una revista bimensual que se llamó EL MATE . El asesor literario era el gran poeta Rafael Casal. Teníamos suscriptores en todo el país yyo era la encargada de la distribución y el intercambio con otras revistas o libros. Editamos grabados de Castello Balparda, de Adolfo Pastor, de Peloduro, absolutamente inéditos. En Facultad tuve la suerte de tener docentes como Héctor Garbarino y Galeano. Antes de la dictadura nuestra Universidad tenía lo mejor que había. Joaquín y yo finalmente nos separamos. Yo pasé a ganarme la vida como docente de Filosofía en el liceo de La Paz y en el n.22 de La Teja. También comencé a modelar en papel maché, pero muy pronto pasé a la cerámica, pues conocí a Margarita Courtoisie, que fue mi musa inspiradora. Hice muchas piezas grandes y esculturas. Hice una exposición individual en la Embajada de los Estados Unidos. Con el grupo TOLEDO CHICO hacíamos exposiciones anuales. En 1995 hice una retrospectiva en la Casa de la Cultura de Durazno. Participé en exposiciones con Rodolfo Torres en Santa Lucía y con él hice siete u ocho exposiciones. Las últimas fueron en el Cabildo y en el MEC y en la Galería Sur de la Barra de Maldonado. Mi producción literaria es muy buena. Escribí fundamentalmente después de separarme de Joaquín. En CE de la Colonia Etchepare editaron un pequeño libro que llamé SENTIRES. También participé de un Encuentro de Ceramistas y Escultores Latinoamericanos que se hizo en Santiago del Estero en 1990. Rosa CAZHUR/2011 PALABRAS SOBRE ROSA

por María CARBAJAL

Que decir sobre un espíritu libre?

Que es como un caballo corriendo en la pradera?

Por que un caballo y no una mariposa?

Porque tiene una fuerza vital que arrolla, una energía agazapada detrás de la mirada que parece perdida a veces.

Este cuerpo no condice con el alma que lo habita.

Hay como dos personalidades conviviendo en ese organismo.

Ella ha sido muy lastimada por la vida, también por ella misma, por sus malas elecciones de vida, por sus excesos, por atreverse a romper con tanto desenfado con los convencionalismos.

Por estar cerca de personas acostumbradas a mandar a otros, a tomar decisiones que afectan a los demás, y no avenirse a que le dirijan el camino.

La conocí en un ámbito totalmente doloroso, hospitalario, el último escalón de la miseria humana, en el espacio de rehabilitación, donde se le daba un tratamiento especial porque se destacaba, por su ingenio, por su capacidad, por su ductilidad en cerámica, plástica y escritura, su disposición a la hora de aprehender nuevas técnicas(como dibujar a ojos cerrados en un momento en que se bloqueó), de acceder a la informática.

Allí publicaron sus poemas, pero lamentablemente otros se vistieron con su sayo. Siempre intuí un deje de condescendencia, quizás soy ingrata.

Rosa logró salir de ese entorno, y allí compartimos la locomoción, la espera del ómnibus que nos llevaba y nos traía, el largo camino (2 kms) hasta los talleres donde se “rehabilita” si es que lográs sobrevivir al viaje, con las inclemencias del tiempo y las jaurías de perros en bandas que andan campeando por el terreno.

Hay otras jaurías menos salvajes, pero igual de peligrosas.

Y terminamos siendo vecinas, y nos visitamos, y compartimos tardes y mañanas (demasiado temprano para mi que trasnocho, y ella que se levanta con el alba!).

A veces las diferencias se acortan, otras veces nos separan, la vida sigue su curso, pero la amistad “no depende de cosas como el espacio y el tiempo” al decir de Richard Bach.

Rosa es un espíritu gemelo a babelsur, con sus excentricidades, su bohemia y su encanto especial, para quien sepa visualizarlo.

Es un placer hoy, compartir con ustedes el recorrido al trote por sus praderas.

Cosas de Rosa


Quisiera comenzar a escribir en una blanca hoja de papel, o tener una computadora y dejar rápidamente impreso mis pensamientos, recuerdos de vida, pero solo tengo este viejo cuaderno multiuso, donde hay poemas míos y nuestros; cálculos de cuantas piezas de cerámica que debía entregar y a que precio, apuntes de Literatura Griega y lingüística, pensamientos del tarot egipcio, sueños anotados al despertar abochornada, o por la delicadeza de algunas imágenes.

Esta vida comenzó el 22 de julio de 1947 a las 11 de la mañana, martes. Leo ascendente en libra; chancho de fuego, en el horoscopo chino.

Viví con bastante intensidad hasta los 17 años, luego sobreviví a una serie de desastres personales, mundiales, nacionales, y familiares.

Cuando tenia 51 años y me sentía seca y enferma, cansada, experta en toda clase de subterfugios, como alcohol, anfetaminas, somniferos, una tarde de junio llego a mi casa y a mi vida el ser que comenzó el retorno a los 17. Tarea ardua, tanta ternura, comprensión y bondad en tan pocos años conmovió todo mi ser, peleé conmigo misma y con el mundo. Un corazón mustio puede florecer rápidamente si tiene un continente adecuado. El es el continente de aquello, tuve la idea: era el amor


POEMAS.

Cuando vendrás niño mío

A traerme flores calientes

Del océano o del mar

De las arenas de Egipto

El rictus de una pirámide

Y todo el sol.

--- ooo ---

el hombre que plantó un naranjo en el patio

tenía un sol en el pecho

y la mirada en el horizonte del desierto

y a veces dos lágrimas caían de sus ojos grises

una rosa, un papel y el viento

tu aliento de ultramar

azul es el espacio que nos separa

azul y grande



---ooo---


tengo que decirte algo:

antes que la luz se vaya

antes que se vaya el sol

luego llega la luna y otros espíritus

y harán que me olvide de tanto soñar

tengo que decirte algo

que con la luz podrás comprender

no tardes

no dejes que la luna robe

lo que te tengo que hablar


---ooo---

tienes un triángulo azul de dolor

y una luz negra y redonda que te envuelve

que me destruye y me construye

y me destruye…

---ooo---

me hago líquida, me disuelvo y te envuelvo

espuma blanca que se eleva

para caer mansa,

suavemente en tus brazos

---ooo---


el hombre ha inventado las palabras

una constancia de que sufre y que reclama a otros hombres

el hombre ha inventado las palabras

porque las sonrisas vagaban alegremente por un campo de dalias

el hombre ha inventado las palabras

porque el dolor se extinguía emperceptiblemente en el aire

el hombre ha inventado las palabras

porque al amor no le alcanzaban las caricias

el hombre ha inventado las palabras

porque hay un puente levadizo entre el todo y la nada


---000---

yo soy

el pájaro de fuego que oirás al amanecer

soy nosotros, soy las manos, soy los pies

soy el árbol, la hoja que cae, soy el pez

soy la tierra, soy el mar, soy la luz, soy la oscuridad

y la pisada húmeda de Aquel


---000---

tu presencia lejana, tu recuerdo latente

deja hoy tanto espacio entre ayer y presente

presente y olvido es un gran desafío

que no sé si deseo, porque esa tu ausencia,

es un hueco cálido que a veces lleno de ternura gris

en los espacios perdidos deambula mi dolor

de tu ausencia infinita

---000---

quisiera que el sol disipara esa nube gris

que seguramente te envuelve en estos días

quisiera verte haciendo planos y planes

aparecer de la nada, sonriente, con tu termo y tu mate

todo eso quiero aunque no pienses en mi


---000---

solo vos lo sabés, y yo, nosotros lo sabemos

de este amor entre paredes, entre rejas

¿cómo es posible?

nos remontamos en una nube,

nos esparcimos en el aire

para caer suavemente en ese pasto verde

---000---

Sentires
Para una hermana presa


Entre tu soledad y la mía, hermana

Hay un puente de suspiros

Que nos une y nos separa.

El aire se detiene temeroso en tu ventana

Sangrando la canción asesinada

Y al volverse se enresa en los alambres

Como una cometa destrozada.

000---000


crearía un idioma que expresara

lo que el roce de tus labios significa

pues mi necesidad de amar

tiene tu nombre

aunque seas tu solo una copa

donde vierto mis sueños, esperanzas y deseos.

000---000

estoy triste como si viera pasar mi entierro

no espero a nadie, no espero nada

el tiempo detenido en los relojes, funcionando

la mañana será como la noche

la noche no tiene mañana

hoy me despedí de un abrigo de sueños

estoy tan triste que veo pasar mi entierro

000---000

hoy te vi padre, alejarte por una calle de sombras

sombrío y solo

tendí las manos y no pude alcanzarte

esperé encontrarte en una esquina, padre

pero tu estabas cansado de esperar

y no estuviste ya en ninguna esquina

esperé verte otra vez sereno

con mi hermana en brazos mirando el mar

y te habías perdido en mares de ausencia

tus mares a veces se beben mi vida


000---000

quiero atrapar el gusto de tus labios fugitivos

dulce roce que mezcla la soledad y el olvido

tus labios siempre partiendo

mis labios siempre anhelando

tus labios que se me escapan como si fueran suspiros

suspiros, alas, deseos, y realidad nunca nada

quiero aprehender el gusto de tus labios fugitivos

pero sería querer atrapar todos los vuelos

sería beber la vida de un cardenal que gorjea

y son alas, suspirosa, deseos

y realidad nunca nada

quería atrapar el viento en una copa de fuego

y tan solo tengo arena desgranándose en mis dedos

000---000

recorro mi cuerpo evocando tus caricias

buscando alguna huella

alguna marca misterios que te reviva

que me hable de ti

pero mi cuerpo está ausente de soles y tibiezas

y de marcas, de humores humorales

mi cuerpo está ausente de soles y tibiezas

mi cuerpo está solo, está frío y solo

está lejos de ti

000---000

por ti aprenderé a decir “te quiero”

en todos los idiomas

en todas las caricias

en todas las miradas

en todas las sonrisas

para que tu lo creas


000---000

déjame cultivar los sagrados helechos de la casa

ordenando los rincones

íntima ha de ser mi tarea poblada de duendes

y para esos días de fiesta

cuando los espacios se agrandan

usaré las alas de gasa

000---000

en ese mi gran encuentro, no estuve presente yo

me faltaron manos, color, aire

hoy tengo manos, dientes, todo

y faltas tu

000---000

gracias, porque viniste a buscarme y te encontré

porque ríes, porque sufres, porque dueles

porque lloras, porque creces, porque existes

gracias

000---000

hoy precisamente apreté los pies contra la tierra

y propuse desafiante a las estrellas

voy a cansarme y a dormir

voy a desear y poseer

voy a tener hambre y a comer

creo que fue un instante nada mas

000---000

para mi hija Delmira

por la muerte de un pintor amigo

ay! Mi nena nenita!

Quiero sentirte chiquita

No verte en mi barriguita

Ay! Mi nena nenota!

Mi mundo es una gran pelota

Ay! Mi nena neita

Ay! Que es muy tristecito

Antes de bajarte de una estrella

Debí pensarlo muy bien

Proyecté una escalera sin memoria

Cómo explicarte ahora

Que el día tiene fin

Que las flores se mueren

Y los amigos se pierden

000---000

para Alvaro

compañero

recoge los pedazos de mi alma

que está rota

ten cuidado con lso cristales

no vayas a lastimarte

encontrarás diamante y esmeraldas

y muchas piedras grises

recoge todo,

tal vez mañana, con un poco de cemento

pueda armarla

000---000

me gustaría que hubieran muchos seres

que dijeran: me gusta tu pintura,

me gustan tus poesías

pero más me gustaría

que hubiera un solo ser

que me dijera

TE AMO,

Aunque no pintes ni escribas

000---000

le temo a todas las noches

pero por sobre todo le temo a los sábados a la noche

sé que de noche los sábados

la gente juega a compartir

juega a acompañarse

a esperarse y acercarse

y yo que ya no puedo

ni los sábados, ni domingos, ni los martes

que estoy fuera de juego desde siempre

los sábados de noche es más triste

cuando toda la gente cree amarse

000---000

no conozco tu nombre ni figura

pero sé que existes y te espero

deberías llegar ahora

deberías llegar en este instante

que me derramo en soledades

nunca te amaría como ahora

no sé de tus datos

no conozco el sonido de tus pasos

pero si llegaras, yo sabría quien eres

te he soñado tanto!

No con rostro ni con cuerpo dibujado

Pero sé que cuando llegues

Traerás un sol en cada mano

Sé que haré preguntas

Y me besarás callado

Pero debes llegar ahora

000---000

acaricio la pared fría y pienso

que tierno sería tener tu pelo en mi mano

cierro los ojos y soñando te recobro

cuando los abro, un fantasma encuentro solo

000---000

me miro las manos esperando

que los dedos en flores se prolonguen

o en verdes tallos de azucenas

esperando que el peso de mis piernas

sean raíces enterradas

ya que no puedo ser animal

increíblemente animal

ya que no puedo ser

estremecida sangre palpitante

ya que no puedo volver

ya que no puedo volar

000---000

y te dejé partir

te buscaba desde las tinieblas prenatales

te busqué en todos los caminos preguntando

a la orilla del río cuando niña

a la orilla del mar, adolescente

a la orillas deun pozo, ya cansada

lentamente has de partir

te pierdo sin florecer

000---000

papito, sentame en tus rodillas

y dibujame un caballo tembleque

en papel de estraza

papito, quiero sentir el olor de tabaco fuerte

de tu sobretodo azul

quiero ver tus manos blandas, hacer un cigarro grande

papito, quiero una cometa

papito, quiero regresar y regresarte

quiero ser chiquita y abrazarte

000---000

vives en una habitación

solemne y frígida

todo tiene lugar, jerarquía, prolijidad

cuando sales al exterior

usas un pulcro trajecito de escarcha

seré yo la lengua de fuego?

que queme tus muebles

destruya tu traje

hunda tu arca?

que cuagule mi amor

y derrita tu escarcha?

000---000

quiero querete

pero a cada paso se levantan dos murallas

quiero amarte, pero cada dos minutos

crecen cuatro dientes

quiero desearte, pero cada tres milímetros

nacen seis espinas

con murallas, dientes y espinasharía dos abrigos

uno para mi miedo

otro para tu frío

000—000

la lluvia me penetra

la tierra me llama

caigo en su polvo interior y soy

tierra, lluvia, polvo, barro desintegrado

y me deslizo en mi propia superficie

acariciando en diminutos ríos

y nazco en una flor de cardo


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ilustraciones- Acuarelas y témperas de Rosa CAZHUR.


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PABLO PICASSO / parte !

«Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su certificado de nacimiento) o «Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su partida de bautismo)) fue el primer hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). De su padre se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923. Picasso empezó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo,[5] [6] de la que siempre se negó a separarse. En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña. Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares. El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.. Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.. A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto. Picasso ] Primeras pinturas Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),[7] en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.[8] En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.[9] Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros. Entrada al café Els Quatre Gats. En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando, pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra de El Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX. Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno. Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Terra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.. Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona, donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquis. En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida. En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901 También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.] Entre Barcelona y París. El período azul Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza. Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas, cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz de El Greco. Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad. Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo de El Greco. Entre Barcelona y París Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid ] en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París. Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite. Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo de Bellas Artes Pushkin, Moscú), Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York) y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga) y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).. A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer y La macarra (composición alegórica), propiedad del Museo Picasso de Barcelona. En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill. De esa fecha data un Retrato de Germaine que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006. En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar. La vida En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts), uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas. La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés. La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo), Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.), El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago), El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia), y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París) se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso. Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona, donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo) que finalizó en la primavera de 1904. París, Bateau Lavoir. El período rosa El edificio del Bateau-Lavoir fue nombrado así por el poeta Max Jacob porque su estructura de madera le recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos. En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago) e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905). En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912 La bohemia del Lapin Agile En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por El Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)[48] o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona), un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera. Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscú), La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington), Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia) y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo) Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.» Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarets turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis, una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso. Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París), que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce. ---------------------------------------------------------- Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane), y Las tres holandesas (Museo Picasso, París), una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales. Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono[54] al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse. Primitivismo ibérico . En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.[62] Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.[63] Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica. Protocubismo En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.[64] Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.» Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen, lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia), cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905. El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York), en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.[62] [editar] Un burdel de la calle Avinyó La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.[69] A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga): la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar. Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina. [editar] Influencias africanas Escultura fang del siglo XIX, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes de finalizar Las señoritas de Aviñón. Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo, pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico. Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista, que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario. Las señoritas de Aviñón Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York) supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos. El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas de El Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París;[69] su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier, 1969, p. 69, su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.[69] Hacia el cubismo Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible influencia. La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907,[77] aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana), un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo), iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo; también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York). En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo) y Desnudo con toalla (colección privada, París). El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea) de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse. La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él. Cubismo Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.[85] Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes. [editar] Cubismo cezannesco Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo. En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Ácademie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.[86] Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[87] finalizado a finales de primavera, podría ser una commemoración de la muerte de Wieghels. Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado.[86] Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes. En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne. Matisse bautiza el Cubismo. Período verde Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano. Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Ermitage, San Petersburgo), donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde. Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba. El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:[91] Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York), Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq). También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París), que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea). Cubismo analítico Retorno a Horta de Sant Joan Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)[96] en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).[99] La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).[100] También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);[101] La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo)[102] y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie, Berlín).[103] Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne. Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso. En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida. Traslado al bulevar de Clichy En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Sergei Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malevich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.[105] En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (MoMA, Nueva York),[106] inspirada en las telas que pintó en Horta.[97] Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.[107] Los retratos cubistas Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),[108] pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),[109] Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)[110] y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago),[111] en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrud Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.[112] Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;[113] en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler[111] que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,[114] como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).[115] El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.[116] Picasso viajó a Céret, un pueblo en la Cataluña francesa, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona, Suiza).[117] El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas. A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida, Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre. Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura. En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París) creado en la primavera de 1912, las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa. ----------------------------------