EL ARTE RUPESTRE. / fuente WIKIPEDIA


Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones o barrancos,entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.
Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, ésta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico. Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España).
Estas pinturas — y las otras manifestaciones asociadas — revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística, se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible, proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que éstas están a la vista y en zonas expeditas y despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.

 Temática, colores y técnicas sobresalientes

En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico.
En la pintura rupestre generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las heces, compuestos minerales como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinante orgánico resina o grasa.
Las cuevas se ubican totalmente bajo el suelo y en consecuencia se hallan en una oscuridad casi completa. Se cree que los antiguos artistas se auxiliaban con unas pequeñas lámparas de piedra llenas de tuétano.
Los colores se untaban directamente con los dedos, aunque también se podía escupir la pintura sobre la roca, o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura. En ocasiones los pigmentos en polvo se restregaban directamente en la pared y asimismo se los podía mezclar con algún aglutinante y aplicar con cañas o con pinceles rudimentarios. Como lápices se usaban ramas quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se aprovechaban desniveles y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen y realismo.
A menudo las siluetas animales se marcaban o raspaban para generar incisiones y así producir un contorno realista y notorio en la roca.
La edad de las pinturas permanece en muchos sitios arqueológicos como un gran interrogante, ya que los métodos para determinarla, como el del Carbono-14, pueden fácilmente llevar a resultados erróneos por la contaminación del material evaluado, y también porque las cavernas y superficies rocosas presentan protuberancias en las que se alojan residuos de suciedad provenientes de diversas épocas. Para determinar la fecha de su creación se recurre a técnicas más convencionales como fechar imágenes por el tema representado. Por ejemplo el reno dibujado en la gruta española de las Cueva de las Monedas, cuyo origen estimado corresponde a la última glaciación. Los yacimientos de pinturas rupestres se dan con mayor frecuencia entre Francia y España, porque en estas zonas el hombre encontró un lugar más propicio para sobrevivir a los cambios ambientales y al crecimiento demográfico.

África

Namibia.

En Ukhahlamba-Drakensberg, Sudáfrica se encuentran pinturas de aproximadamente 3.000 años de antigüedad atribuidas a las tribus de San, quienes se establecieron en la región hace unos 8.000 años. Estas pinturas muestran seres humanos y animales, y posiblemente se hallan relacionadas con prácticas de carácter mágico para propiciar la caza.
La mayor cantidad de pinturas rupestres en el continente áfricano se encuentran en la región de Twyfelfontein (Namibia). En las afueras de Hargeisa en Somalia se han descubierto recientemente pinturas que muestran a los antiguos habitantes pastoreando ganado. Otras pinturas pueden hallarse en las cuevas de las montañas de Tassili en el sudeste de Algeria, en Akakus, y en otras regiones del Sáhara como los montes Ayr. También en Tibesti, Chad y en Níger.
En la región de Fezzan y en el sur argelino, se pueden distinguir tres fases de elaboración de pinturas rupestres:

Figuras humanas sobre roca,
Zimbabue

• Primera fase o primitiva: originada aproximadamente en el 10.000 a. C., en este periodo se representan animales salvajes y escenas de caza, que dan prueba de la existencia de pueblos cazadores y de un ambiente climático diferente.
• Segunda fase o pastoral: Pinturas con imágenes de animales domésticos especialmente bovinos, demuestra la crianza y domesticación de los mismos, posteriormente aparece el caballo.
• Tercera Fase o garamántica: en 2.000 a. C; denominada así por el pueblo de los garamentas que habito el Fezzan. Surgen representaciones del dromedario por lo cual se concluye que el desierto predominaba en el continente.

También existen pinturas de unos 4.000 años de antigüedad en el Desierto del Sáhara (aunque está siendo expoliado y vandalizado ). Y parece ser que los fenicios establecieron colonias en la costa del actual Sahara Occidental en la época de Hannón el Navegante, pero se desvanecieron sin dejar rastro.

  América

En América la extensión continental y la multiplicidad de ambientes y culturas prehistóricas hace difícil una abstracción que permita caracterizar genéricamente.

• En Argentina, se definen cuatro grandes estilos o culturas de arte rupestre en el noroeste del país. Se identifican tres momentos estilísticos en la Patagonia. En las sierras centrales de Provincia de Córdoba y Provincia de San Luis.
• En Chile han determinado nueve estilos estrechamente relacionados con las distintas regiones geográficas.
• En Perú, han establecido 14 modelos estilísticos de pinturas, grabados y geoglifos incluyendo las famosas y enigmáticas Líneas y geoglifos de Nazca y de Pampas de Jumana.
• Bolivia plantea cinco períodos, y en Venezuela se han descrito cuatro áreas principales.
• En Ecuador se han definido tres zonas de importancia en el área oriental.
• En Colombia se ha registrado una gran concentración de pinturas en el altiplano cundiboyacense, aunque también se presenta en otras zonas de la Cordillera Oriental y en las llanuras de las cuencas hidrográficas de afluentes del Amazonas y el Orinoco. El color más recurrente es el ocre rojo, pero se han encontrado muestras en negro, blanco, amarillo y naranja. Aún no se han realizado investigaciones sobre estilos ni hay datos de cronología.
• En la amplia extensión del Brasil los últimos años han visto una proliferación de descubrimientos arqueológicos que llevan las variaciones estilísticas y culturales a más de cien variantes.
• En Uruguay Consens propone seis tendencias estilísticas. El Centro de Investigación de Arte Rupestre del Uruguay, es una sociedad científica sin fines de lucro que ha desarrollado tareas de investigación desde 1972, que tiene como objetivo salvaguardar y hacer conocer el arte prehistórico nacional.

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  Pintura de manos en la cueva Lol-Tun, Yucatán, México.
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  Pedra Furada con pinturas de 11 000 años
  Brasil.
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  Cueva de las manos,
  Santa Cruz
  Argentina.

Uruguay

En 1875, cuatro años antes del descubrimiento en Europa de las pinturas de Altamira (inicialmente no consideradas como arte prehistórico) un ingeniero español Barhola rial Posadas en el Uruguay, copiaba cuidadosamente los diseños que veía en una enorme piedra y agregaba luego al pie de la lámina, sin ninguna duda, que ellos eran "diseños de indios".
Luego de este primera contribución (que marca el nacimiento de la primera etapa de la arqueología uruguaya), otros investigadores como Figuerido, Larrauri, De Freitas, Figueiras, Consens y Bespali, Pelaez y Consens han trabajado, publicando, revisando y descubriendo nuevos sitios en el resto del país.
Como resultado de esas investigaciones, se conocen hoy decenas de sitios con pinturas y grabados. Los primeros ubicados al sur del Río Negro y los segundos al norte.

Véanse también: Localidad Rupestre de Chamangá y Gruta del Palacio

  Los grabados

Los grabados se iniciaron entre los 6 a 8 mil años antes del presente, en un ambiente muy distinto al actual. Por ello podemos ver como guanacos (hoy desaparecidos) y felinos aparecen en grandes bloques horizontales, junto a sencillos dibujos geométricos. Miles de años más tarde, en las mismas áreas, se graban intrincadas figuras meándricas, junto a marcas de líneas paralelas y puntos agrupados.
Hace unos dos mil años se vuelve a grabar. Ahora los diseños se complejizan porque se reutilizan no sólo los sitios, sino también los mismos bloques anteriormente grabados. Esto obliga a los investigadores a complejos trabajos técnicos para recuperar la información.
Por último hace unos mil doscientos años, surge un estilo de diseños esquemáticos tanto antropomorfos como zoomorfos, junto a una técnica de grabado profundo y a veces alisado. Algunos de esos sitios reciben ofrendas con carácter ritual.

Las pinturas

Las pinturas están realizadas en las paredes verticales de enormes bloques de granito, que emergen como grandes monumentos en las amplias praderas onduladas del sur del Uruguay.
Se conservan aún hoy unas cuarenta de estos sitios con un grado de percepción visual aceptable. Mientras que en cerca de cien bloques, apenas se ven los restos de los que fueran importantes murales pintados. Algunas áreas de los departamentos de Flores, Florida y Durazno debieron ser en esa época, verdaderas exposiciones al aire libre.
Como mínimo se comenzó a pintar hace unos dos mil quinientos años antes del presente. Hubo un período posterior alrededor del año 1200, donde se vuelve a pintar, sobre la misma base estilística de figuras geométricas. Pero ahora se utilizan complejas formas cerradas, con importante variación de los diseños internos.
También en ese periodo se ensayan varias técnicas diferentes como el uso de pinceles finos (2 a 3 mm), la preparación de la superficie previo al diseño, manos en positivo e incluso pintura en negativo. Hay un especial cuidado en no sobreponer las pinturas, cuidándose el uso del espacio, como una referencia muy valiosa.

  Asia

Pintura rupestre en Bhimbetka.

Se han encontrado pinturas rupestres en Tailandia, Malasia, Indonesia e India:

• En Tailandia las cavernas se ubican a lo largo de la frontera Birmano-Tailandesa.
• En Malasia las más viejas pinturas están en Gua Tambun en Perak, datadas en unos 2.000 años atrás, y los grafos en la cueva de Niah en el Parque Nacional homónimo, que datan de unos 1.200 años.
• En Indonesia las cuevas de Maros en Sulawesi son famosas por las copias de manos, también encontradas en cuevas en el área de Sangkulirang.
• En India destaca la región de Bhimbetka, un emplazamiento arqueológico en donde se encontraron rastros de vida humana de la Edad de piedra, entre ellos pinturas rupestres de hace unos 9.000 años.

  Europa

  Península Ibérica

Artículos principales: Arte rupestre del arco mediterráneo de la Península Ibérica, Arte esquemático y Arte rupestre paleolítico del norte de España.

Nave fenicia.Cueva de la Laja Alta, Cádiz.

Animales pintados en la cueva La Pileta (Málaga).

La península ibérica es uno de los territorios donde podemos encontrar yacimientos prehistóricos del periodo paleolítico en Europa. Existen algunos relevantes por su antigüedad, por su singularidad, por su calidad, etc. Por ejemplo, la cueva de Nerja alberga, según estudios de 2012, las que podrían ser las pinturas más antiguas de la humanidad, además realizadas por neandertales. Uno de los sitios de extraordinaria calidad, y además el primero reconocido como arte prehistórico, es la Cueva de Altamira, ubicada en España. En esta caverna existen unas ciento cincuenta pinturas, distribuidas en los muros y en el techo, pero el lugar más importante de la gruta es una cámara de 5 metros, en donde los grafos se elaboraron en el techo desnivelado, aprovechando así las protuberancias de la superficie rocosa para dar relieve a las figuras humanas y animales, especialmente bisontes -unos dieciocho- en un grupo de grafos policromáticos de gran detalle y realismo. Las composiciones de Altamira carecen de un sentido de conjunto y muchas veces las imágenes fueron superpuestas sobre otras más antiguas, circunstancia que confirma el propósito mágico-religioso y no meramente decorativo.
En el epipaleolítico, entre Barcelona y Almería, existen decoraciones murales rupestres en las paredes de cueva con superficies calcáreas y por sobre los 800 a 1000 metros de altura sobre el nivel del mar, hechas por un pueblo nómada. Estas pinturas se caracterizan por un realismo impresionante, considerando que fueron creadas con herramientas rusticas. Muestran un desarrollo estilístico que incorpora paulatinamente la abstracción, el detalle esquemático, y un dinamismo extremo. Pero lo que más llama la atención son los motivos antrópicos, incluyendo hombres vestidos con pantalones, ornamentados con plumas y armados con arcos, representando frecuentemente escenas de caza. Las mujeres utilizan faldas y están adornadas con plumas.
Durante el mesolítico, las comunidades humanas localizadas en la península se caracterizaron por desarrollar un nivel de trabajo artístico más avanzado al representar en imágenes situaciones cotidianas como la caza, las luchas, los ritos y ceremonias. Las primeras pinturas de este tipo se hallaron en el año 1903 en Calapatá, pero también se originó en las provincias de Almería, Albacete, Castellón, Valencia, Lérida y Teruel. Estas grutas se distinguen de muchas otras debido a que son meros refugios al aire libre. Entre las manifestaciones más impresionantes se halla la de Cogul (Lérida), que representa una ceremonia en la cual un grupo de mujeres danzan con faldas alrededor de un hombre.
En Portugal, Extremadura, Cádiz y la Sierra Morena se encuentran las pinturas más importantes de tendencia abstracta, representando signos ideomorfos.

  Francia

La elaboración de pinturas rupestres en Francia está registrada desde hace unos 32.000 años, por ejemplo las de la cueva de Chauvet o las atribuidas a la cultura auriñaciense en la gruta de Aurignac. Alcanzaron su máximo esplendor entre 14.000 y 13.000 años a. C., en la cueva de Lascaux. En esta caverna son representados caballos, ciervos y otros animales. Las pinturas de la cueva de Lascaux se caracterizan por poseer contornos marcados con negros, para destacar la imagen y polvos de colores, para resaltar los efectos cromáticos.

  Oceanía

 Australia

En Australia se ha encontrado una significativa cantidad de pinturas, cuyos ejemplos más importantes están en el Parque Nacional Kakadu, una gran colección de pinturas a base de ocres. El ocre es un material no orgánico, por eso es imposible fechar las pinturas con el procedimiento de radiocarbono.

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  Pintura de un hombre se piensa que es un guerrero o un cazador.
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  Una tortuga.
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  Dos peces. Con los órganos internos a la vista.
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  Esqueleto de un macrópodo, problamente un canguro.

EL HACKTIVISMO Y ARTE. por Marcos UMPIERREZ.

Hacktivismo y arte por Marcos UMPIERREZ Un fenómeno que nace con la cibercultura de finales de los 80 y principios de los 90, actor esencial de la construcción de lo que hoy llamamos internet y que continúa no solo ejerciendo una fuerte presencia hoy en día en la red, sino que además se ha transformado, es el hacker. “El hacker se concibe como un ciber-rebelde que utiliza sus cualidades en materia informática para dialogar, jugar y transgredir en el ciberespacio, con el principal fin de democratizar el uso de la información.” (Hugo Alberto Figueroa Alcántara) Muchos artístas se consideran hackers, ya que la actitud del artista tiene grandes convergencias con la filosofía hacker. De hecho hay corrientes artísticas nacidas de la cultura hacker. Dentro de la cultura Hacker, hay una tendencia natural al conocimiento de la tecnología, hasta tal punto comprendida, que pueda ser modificada. La naturaleza del hacker es esencialmente de libertad, igualdad, fraternidad, curiosidad, transformación, en muchos casos a diferencia del concepto que se tiene popularmente, que es el de “piratas de la red”. Según algunas definiciones que podemos encontrar en la red;“...los hackers sólo quieren experimentar y probar los límites de sus posibilidades. “. Sin duda que el paralelismo entre la actitud hacker y la artística está de manifiesto en las diferentes definiciones que podemos encontrar sobre los hackers. Los artistas que se consideran hackers, se ven a si mismos de esa forma, por el hecho de utilizar técnicas o formas de expresión hacker, para desarrollar su obra. Pesa mucho la forma de presentar esta obra, muchas veces a través de manifestaciones de protesta, intervención del espacio público, performances, etc. La comunidad hacker sostiene por sobre todas las cosas la libertad de acceso a la información de todo el mundo. A su vez pregonan la apertura de sistemas para su libre modificación, ya sea físico o virtual. “Ser hacker implica de manera directa contribuir a la expresión en un medio artístico-tecnológico al querer transmitir “data'' e información a su manera y al transformar algoritmos y software para que funcionen de acuerdo a un particular y sensible egoísmo estético. Por lo tanto el ser hacker no es un delito sino es querer mejorar sobre lo que ya está hecho y además es inspiración sobre lo realizado “[Stallman, R. 02]. Al hablar del hacker como individuo, o grupo de individuos, también podemos hacer referencia a la acción hacker, o lo que se da en llamar Hacktivismo, en la siguiente definición ampliamos el concepto; Hacktivismo (un acrónimo de hacker y activismo) se entiende normalmente "la utilización no-violenta de herramientas digitales ilegales o legalmente ambiguas persiguiendo fines políticos. Estas herramientas incluyen desfiguraciones de webs, redirecciones, ataques de denegación de servicio, robo de información, parodias, sustituciones virtuales, sabotajes virtuales y desarrollo de software" (http://es.wikipedia.org/wiki/Hacktivismo) El término Hacktivismo perfectamente se asocia a una forma de encarar el arte. Es un punto de vista del mundo, el hacerlo uno mismo, el modificar, abrir, transgredir, resignificar, compartir. El artista, es en muchos aspectos un hacker de la realidad. La modificación, o la investigación de los límites de la propia realidad a través de la obra, tiene una connotación hacker ineludible. El arte callejero, la intervención en aparatos que estaban pensados para una cosa y se modifican para realizar una actividad diferente a la original, como por ejemplo la modificación de videojuegos, el arte del error (glitch), la intervención urbana de la mano del videomapping, el Circuitbending, que es el arte de hackear a través de cortocircuitos creativos, y modificación, aparatos hechos para una finalidad, y transformarlos para que cumplan otro rol, como por ejemplo una radio transformada en sintetizador, o juguetes en instrumentos sonoros o visuales únicos. Es por lo tanto el espíritu hacker, un socio natural del espíritu artístico, y dentro del arte y los nuevos medios, esta asociación natural por definición se hace más explicita aún.

El Movimiento PUNK.

EL MOVIMIENTO PUNK. El punk es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Éste género se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y tempos rápidos. Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue sólo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas. Filosofía punk. El punk es la lucha constante contra el miedo de las repercusiones sociales En su naturaleza original, la cultura del punk ha sido principalmente la de la libertad individual, que tiende a crear creencias en conceptos tales como el individualismo y el pensamiento libre. La ideología punk contiene muy a menudo una visión crítica del mundo, presentando a las sociedades modernas como limitadoras de la humanidad. Ésta ideología se suele expresar mediante la música punk. A principios de los años 70“s, los «punks» tenían una filosofía muy diferente a la de ahora, basada en la idea de «There is no future» (no futuro, no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad. Sex Pistols. Pero, en la actualidad no es igual que hace treinta años, aunque siguen conservando la naturaleza del punk. * Puede resumirse en «hazlo tú mismo», «hazlo a tu manera» (en inglés «Do it yourself»). * Rechazar los dogmas, y no buscar un único punto de vista. * No actuar conforme a las modas y las manipulaciones mediáticas, además de estar en contra del consumismo. El punk, si bien empezó en algunos matices siendo un tanto agresivo, se consolida por sus rasgos actuales en una forma de conciencia social, corriente filosófica e idealista y para nada estilista. El movimiento punk dio lugar a transgresiones de las convenciones estéticas La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresión, buscando liberarse de los corsés estéticos y de la opresión, de la autoridad y en no estar de acuerdo en la sociedad convencional, así como de los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo «políticamente incorrecto» y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradición. En un primer momento era básicamente una serie de actitudes de transgresión estética y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando. Un punk frente a un grupo de policías Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk, las demostraciones negligentes o autodestructivas fueron perdiendo protagonismo, y se hizo presente todo un abanico de enfoques con intenciones más conscientes, con énfasis en la crítica social y cultural, y posicionamientos políticos, asociacionismos y afinidad a campañas de protesta. Suelen ir asociadas al punk algunas ideologías políticas como el anarquismo, el anticapitalismo, el antimilitarismo, el antirracismo y el antifascismo. A partir del movimiento punk politizado, hay un debate constante que hace crítica a los que son aficionados al punk por cuestiones estéticas o musicales y dejan a un lado el enfoque social o político. Historia A comienzos y mediados de los años 1960, las bandas de rock de garage que son reconocidas como las progenitoras del punk rock comenzaron a aparecer en diferentes lugares de América del norte. The Kingsmen, una banda de garage de Portland, Oregon, tuvo un éxito con su versión de «Louie, Louie» de 1963, citada como «el urtext que define al punk rock». El sonido minimalista de muchas bandas de garage rock fue influenciado por el ala más dura de la invasión británica. Los éxitos de The Kinks de 1964, «You Really Got Me» y «All Day and All of the Night», se han descrito como «precursores de todo el género de tres acordes de The Ramones, por ejemplo, «I Don”t Want You» de 1978, fue puro Kinks». En 1964, The Who rápidamente progresó desde su sencillo debut, «I Can”t Explain», prácticamente una copia de The Kinks a «My Generation». A pesar de que tuvo poco impacto en las listas estadounidenses, el himno de The Who presagiaba una mezcla más cerebral de ferocidad musical y postura rebelde que caracterizó a gran parte del primer punk rock británico: John Reed describe la aparición de The Clash como una «ajustada bola de energía que recuerda tanto en imagen como en retórica a un joven Pete Townshend con obsesión por la velocidad, ropa pop-art y ambición de escuela de arte». The Who y The Small Faces fueron algunos de los pocos viejos rockeros conocidos por los Sex Pistols. En 1966, el mod ya estaba en declive. Las bandas de garage rock de EE. UU. comenzaron a perder fuerza en un par de años, pero el sonido crudo y la actitud desconocida de bandas de «garage psych» como The Seeds presagiaba el estilo de bandas que se conocerían como las figuras arquetípicas del : Protopunk. En 1969, aparecieron los álbumes debut de dos bandas de Michigan que son conocidos comúnmente como las grabaciones principales del protopunk. En enero, MC5 de Detroit lanzó Kick Out the Jams. «Musicalmente el grupo es intencionalmente crudo y agresivo», escribió el crítico Lester Bangs ie Rolling Stone: ¨ ... La mayoría de las canciones apenas se distinguen unas de otras en sus estructuras primitivas de dos acordes. Usted ha oído todo esto antes en bandas notables como The Seeds, Blue Cheer, Question Mark and the Mysterians y Kingsmen. La diferencia aquí [...] está en el bombo, la superposición de revolución adolescente y cosa llena de energía que oculta esta vista de clichés y ruido feo. [...] «I Want You Right Now» suena exactamente (hasta en la letra) como una canción llamada «I Want You» de The Troggs, un grupo británico que salió adelante con una imagen similar de sexo y sonido crudo hace un par de años atrás (¿recuerdan «Wild Thing «?)¨ En agosto, The Stooges de Ann Arbor, lanzaron su álbum homónimo. De acuerdon con el crítico Greil Marcus, la banda, liderada por el cantante Iggy Pop, creó «el sonido del Airmobile de Chuck Berry después de que los ladrones lo desarmaran». El álbum fue producido por John Cale, un exmiembro del grupo de rock experimental The Velvet Underground. Habiendo ganado una «reputación como la primera banda de rock under», The Velvet Underground inspiró, directa o indirectamente, a muchos de los músicos que estuvieron involucrado en la creación del punk rock. The Ramones, considerada por muchos como la primera banda punk. A finales de los años 1960, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña, Estados Unidos y otros países consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural. Las características del punk rock fueron precedidas por el garage rock (algunos ejemplos emblemáticos son «Demolicion» de 1965 de los peruanos «Los Saicos» o «Pushin Too Hard» de 1966 de los californianos The Seeds), recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la «Invasión Británica», como The Beatles, The Kinks o The Who, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Velvet Underground. También se recogen influencias del frenético surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fuller Four autor del sencillo «I Fought the Law», que fuera versionado por The Clash, y a Modern Lovers autores de «Roadrunner» dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto. The Ramones hicieron composiciones sencillas, cuyas ácidas letras trataban temas como la discriminación de otros jóvenes, la anti-moda y las drogas,una pauta para las bandas por venir. The Clash, una de las bandas más populares del punk británico. La visita de éstos a Londres (actuaron en el mítico Roundhouse el 4 de Julio, día de independencia norteamericana, paradójicamente) hizo que grupos ya existentes, como los Sex Pistols, comenzaran a usar sus instrumentos como medios de expresión y provocación para mostrar su descontento hacia lo que consideraban una sociedad de mentalidad estrecha y represora. Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería influencias de otros estilos musicales. Los subgéneros del punk se definen a veces por características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o la ideología que lo inspira. Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros. Una de las primeras fusiones del punk fue con el reggae y el ska de los emigrantes jamaicanos en el país. Como primer y más representativo ejemplo se puede mencionar a la banda The Clash y sus temas «Police and Thieves» (un cover del jamaicano Junior Murvin), «The Guns of Brixton» y «(White Man) In Hammersmith Palais». Otra fusión en el punk fue con otro estilo negro, el funk, el que se puede oír en trabajos como «The Idiot» de Iggy Pop, y bandas como Ian Dury and The Blockheads, Gang Of Four, A Certain Ratio, como los mismos The Clash en su «Magnificient Seven». En los inicios también surgió el estilo hardcore punk, que se caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el punk. Las primeras bandas fueron Bad Brains, Middle Class y Black Flag. Otra banda temprana en esto, fueron Teen Idles. Etimología El término inglés «punk" tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando «basura», «suciedad») o a personas (significando «vago», «despreciable», «sucio» o, también, «basura» y «escoria»). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los «punkies» (o «punks») se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos. El término punk se utilizó como título de una revista fundada en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba: las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas con queso, los cómics, las películas de serie B, y el extraño rock n” roll que sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Velvet Underground, Stooges y New York Dolls, entre otros.[11] Más tarde el significado también serviría para inspirar las corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia. Subgéneros y corrientes que han asimilado rasgos del punk. Como movimiento creativo, el sonido punk dio aparición a numerosas vertientes. Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, existiendo diferentes niveles de permeación, evolución y fusión, pudiendo hablarse de bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros. Estos estilos individuales fueron popularizándose hasta formarse subgéneros musicales, categorías de obras y artistas que compartían un rasgo definido común. Entre sus subgéneros se pueden identificar los siguientes: Por rasgos comunes musicales * Hardcore punk: Fue la primera evolución del punk a fines de los 70 en Estados Unidos, más extrema, más rápida y más agresiva. Destacan bandas de la primera oleada como Bad Brains, Black Flag, Teen Idles, Dead Kennedys, The Exploited o Discharge. o Crossover thrash: Es la rama del thrash metal con más influencia del hardcore punk. Tal vez el más antiguo antecedente (pre-Thrash inclusivo) puede haber sido la banda británica Motorhead. Se cuentan nombres como D.R.I. o Suicidal Tendencies. Este estilo está influido por el thrash metal (grupos como Metallica, Megadeth o Anthrax), si bien a menudo también posee alta armonía y diversidad de sonidos. o Hardcore melódico: Basado en el hardcore punk, de ritmos rápidos y bases fuertes de guitarra, pero con interpretaciones vocales melódicas. * Gypsy punk: Es el subgénero que mezcla la música tradicional romana y/o música de cabaret con el punk rock clásico, ejemplos de bandas son Gogol Bordello, DeVotchKa, Chunga-Changa, etc. * Post-punk: Género más experimental y melódico que se caracterizó por la deceleración del ritmo, la influencia de otros estilos musicales y un cierto clima de melancolía. Finalmente derivó en la génesis del rock gótico. Está representado por bandas como The Cure, Siouxsie and the Banshees, Joy Division, Bauhaus o Parálisis Permanente. * No wave: Movimiento de música experimental dentro del ambiente punk de Nueva York, representado por Yeah Yeah Yeahs, Lydia Lunch, Glenn Branca, Sonic Youth, Birthday Party. * Ska-Punk: Es el sonido del punk combinado con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones. Los ejemplos más significativos están en No Doubt, Operation Ivy (a quienes muchos señalan como los pioneros), Rancid, Kortatu, Ska-P, Nadie calavera, Skankin Pickle o Less Than Jake, varias canciones de NOFX, The Offspring y Propagandhi, etc. * Psychobilly: Es la mezcla del punk rock con el rockabilly. Algunos grupos representativos son The Cramps, Quakes, The Meteors y Nekromantix. * Pop-punk o también conocido como «Popular Punk»: Es un subgénero cuyo sonido es más melódico y limpio. En muchos casos, las bandas representativas de dicho género no difunde los ideales nihilistas debido a su carácter más comercial. Surge principalmente en Estados Unidos y fue popularizado en los 90 como gran parte de la «segunda oleada punk» por bandas como Blink 182, Green Day, Fall Out Boy, etc. * Deathrock: Subgénero del punk, con elementos de terror y atmósfera oscura. Tiene cierta similitud con el Post-punk, como por ejemplo el uso prominente del bajo y el ritmo desacelerado, pero a su vez algunas bandas incorporan elementos de Rockabilly y de Surf Rock. Son representativas de este estilo las bandas Christian Death, 45 Grave y Theatre of Ice. Por temática o enfoque * Anarcopunk: grupos que enlazan su música con temáticas o prácticas anarquistas. El grupo pionero fueron los británicos Sex Pistols, pero bandas como Dead Kennedys fueron las que más influyeron en una temática anarquista. El anarcopunk está ligado con la anarquía. * Horror punk: se caracteriza principalmente por sus letras relacionadas con las películas de terror y de Serie-B y toda la imagen que las acompaña, como zombies, ghouls, vampiros, esqueletos, etc. Y con una imagen similar, usando maquillaje, peinados (como el Devilock, popularizado por la pionera banda The Misfits), etc. Algunas bandas son The Misfits, Creepersin, Goblins y Diemonsterdie entre otras. * Gothic punk: Es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento estético gótico. * Straight edge: grupos que abogan por el no a las drogas y algunos a favor del vegetarianismo. Minor Threat fueron pioneros. * Oi! (también llamado street punk): relacionado a la temática skinhead. * Skate punk: generalmente de estilo hardcore o hardcore melódico, grupos relacionados a la subcultura del skate. * Queer punk o queercore: grupos con componentes homosexuales. * Kaos Punk: Promueve el descontrol y el exceso de drogas y alcohol en clara referencia al pensamiento de que no existe futuro. Algunas de sus letras demuestran criticas a lo impuesto, sus componentes suelen ser de diferentes puntos politicos, ya sean estos antifascistas, neonazis y comunmente ambiguos. Libros sobre punk. * Por favor, mátame, Legs McNeil y Gillian McCain. * O”Hara, Craig, The Philosophy of Punk, AK Press, 1999 ISBN. Personajes del punk. * Sid Vicious * Johnny Rotten * Joe Strummer * Joey Ramone